Archive for mayo 2013

De nuevo dedicamos una parte de nuestro programa 1x25 a repasar, de la mano de Xelo Agustín, la programación semanal del Aula de Cinema de la Universitat de València, en la que se cierran los dos ciclos que han protagonizado este mes de mayo.

En primer lugar, el miércoles 29 se proyecta en la facultad de Filología la película Brokeback Mountain (2005), última cita del ciclo Deconstruyendo el amor romántico, que ha ofrecido visiones diferentes de un tema tan manido en la historia del cine como son las relaciones amorosas. En este caso, el principal punto de divergencia respecto a lo habitual es que estamos ante una relación entre dos hombres, algo todavía inusual en el cine mainstream, siempre reacio a incomodar a ciertos grupos ideológicos. Sin embargo, Brokeback Mountain, basada en un relato de Annie Proulx, presenta sin ambages la relación duradera entre dos cowboys del medio oeste americano, que viven su amor en secreto al margen de sus respectivos matrimonios y en un contexto en el que la homosexualidad sigue siendo un tabú. El film recibió tres premios Oscar, el de mejor director para el taiwanés Ang Lee y también para la melancólica banda sonora a cargo de Gustavo Santaolalla y para el guión adaptado. Pero la cinta funciona sobretodo gracias a su pareja protagonista, dos de los actores de más talento de su generación como son Jake Gyllenhaal y el tristemente desaparecido Heath Ledger, que aportan la guinda a esta película tan contenida pero tan emocional a la vez.

El jueves 30 de mayo se acaba el ciclo El placer de fumar. Adicción y negocio, y con él la programación de este curso 2012-2013 en el Palau de Cerveró, que como siempre ha contado con la colaboración del IHMC López Piñero en estos ciclos de temática médica y científica. En la última sesión de la temporada se proyectará Gracias por fumar (2005), comedia con toques dramáticos protagonizada por un ejecutivo de la industria del tabaco (Aaron Eckhart) que defiende su consumo por encima de todo pero que al mismo tiempo debe ejercer de modelo para su hijo preadolescente. Dirige Jason Reitman, que debutaba como realizador con este film y que luego sería más conocido por films como Juno (2007), Up in the Air (2009) o Young Adult (2011).

Recordamos que todas la sesiones son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de los miembros del Aula de Cinema UV.

Los que seguís nuestro programa sabéis que una de las secciones que más hemos repetido es El Remake. En ella, Guillermo Rodríguez se encarga de analizar las diferentes versiones de una misma idea. Lo habitual es una revisión moderna de alguna película clásica, o la traslación a Hollywood de un exitoso film europeo o asiático.

Pero si nos centramos en el concepto de remake, hay una industria especializada en ellos, y esa es la del cine indio. Bollywood es la cinematografía más importante del mundo a nivel cuantitativo, a pesar de que sus películas no traspasen las fronteras de su país. Sin embargo, existen infinidad de ejemplos de películas de Bollywood que son adaptaciones de films americanos destinados al público local, con las adaptaciones necesarias para someterse al gusto de ese target tan específico. Por eso es habitual que las versiones indias de films extranjeros estén salpicadas de música, baile y exceso en general, y de esa saludable pátina de caspa que convierte a esa industria en algo tan entrañable desde nuestro punto de vista occidental.

La película de la que hablamos en nuestro programa 1x24 es un buen ejemplo de lo mencionado hasta ahora. Se llama Hari Puttar (2008), y a pesar de lo engañoso de su título (que recuerda a Harry Potter, lo que supuso un conflicto de copyright con la Warner, que perdió su demanda) no tiene nada que ver con el mago creado por J.K. Rowling, ya que Hari es el nombre del niño protagonista y Puttar significa hijo en el idioma autóctono.

Lo que sí es Hari Puttar es una versión nada disimulada de Solo en casa (Chris Columbus, 1990), una de las comedias familiares que marcaron a toda una generación y que sirvió para hacer despegar la carrera de un Macaulay Culkin que iba para niño prodigio pero se quedó en juguete roto. Tanto Solo en casa como Hari Puttar comparten argumento: un niño, harto de su familia y de los parientes que llegan de visita, desea que todos desaparezcan para siempre. Su deseo se cumple, y se queda solo en su enorme mansión, feliz hasta que tiene que enfrentarse a unos ladrones que quieren entrar en su domicilio.

El original estadounidense era una comedia de esas con moraleja final perfectas para una tarde navideña, pero el remake indio es mucho más pintoresco. No sólo porque incorpora personajes creados por CGI (o algo parecido al CGI), sino por ese tono festivo y barroco que impregna la mayoría de la filmografía de Bollywood. Sólo hay que echar un vistazo al tema principal de la BSO para intuir lo que podemos encontrarnos. Avisados quedáis.

Por primera vez en la historia de esta sección, nuestra compañera Elisa Hernández abandonó el mundo de las series estadounidenses para cruzar el charco y hablar de una ficción europea. En el programa 1x24 de Cine L'Atalante le tocó el turno a Utopia (2013-?), serie británica que ha sido una de las más destacadas de este año.

Siguiendo el formato habitual de las ficciones británicas, con seis capítulos de cerca de una hora de duración por temporada, Utopia, creada por Dennis Kelly, es una estimulante mezcla de thriller y ciencia-ficción, al estilo de la exitosa y distópica Black Mirror, también emitida por Channel 4. La serie se caracteriza por su potente estilo visual, muy cuidado y estilizado, prácticamente como si se tratara de una novela gráfica. Una relación que no es en absoluto casual, porque una novela gráfica es precisamente el hilo conductor de la serie. En Utopia, existe una misteriosa obra (llamada The Utopia Experiments) que supuestamente predice las peores catástrofes a las que se debe enfrentar la humanidad, pero cuyo segundo tomo es un manuscrito desaparecido. Así, diversos grupos (entre ellos una multinacional farmacéutica o unos asesinos a sueldo) se lanzarán a la búsqueda de ese manuscrito, siendo esa búsqueda la esencia de la trama de la serie.

Así que los aficionados a las ficciones de corte fantástico e intriga tienen una cita ineludible con esta Utopia. De momento, os dejamos con el trailer:

Como hacemos siempre, en nuestro programa 1x24 de Cine L'Atalante repasamos la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para la semana que acaba de empezar, con la colaboración de nuestra compañera Xelo Agustín.

En primer lugar, hay que detenerse en el Salón de Actos de la facultad de Filología, Traducción y Comunicación, donde el miércoles 22 de mayo se proyecta el film Jack Goes Boating (2010). Se trata de una película prácticamente desconocida en nuestro país (no llegó a estrenarse en salas), pero que resulta interesante al suponer el debut tras las cámaras del gran actor Philip Seymour Hoffman (Capote, The Master), que también ejerce como protagonista. Escrita por Robert Glaudini, a partir de su propia obra teatral, Jack Goes Boating explora el mundo de las relaciones de pareja y de amistad en la siempre compleja sociedad contemporánea, tema central del ciclo de este mes que recordemos se titula Deconstruyendo el amor romántico.

Al día siguiente, jueves 23 de mayo, en el Palau de Cerveró se podrá ver Smoking Room (2002), segundo título del ciclo sobre el tabaco que el Aula de Cinema UV proyecta en la sede del IHMC López Piñero. Smoking Room es un film español dirigido al alimón por el catalán Roger Gual y el argentino Julio D. Wallowits, y que disfrutó de cierto prestigio en su momento por lo estimulante y original de su puesta en escena. Rodada con cámara al hombro y buscando un efecto naturalista y claustrofóbico, la película narra la lucha de un trabajador (Eduard Fernández) por recoger firmas para conseguir que su empresa habilite una sala para fumadores dentro de la oficina, lo que provoca reacciones de todo tipo y deja patente lo inhumano y egoísta de las relaciones laborales. El reparto coral lo completan actores habituales como secundarios en el último cine español, como Chete Lera, Antonio Dechent, Francesc Garrido o Manuel Morón.

Todas las proyecciones son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita y presentación y coloquio a cargo de los compañeros del Aula de Cinema UV.

Quizá el nombre que encabeza esta entrada no resulte muy familiar para la mayoría del público, pero lo cierto es que Martin McDonagh se está ganando por derecho propio un hueco en la agenda de must see films de todo cinéfilo que se precie.

La culpa la tienen los dos largometrajes que ha firmado hasta la fecha, Escondidos en Brujas (2008) y Siete psicópatas (2012), de los que también ejerce como guionista. En ellos, este director nacido en Londres en 1970 hace gala de un estilo muy personal pero que al mismo tiempo recuerda a tipos como Guy Ritchie (en la primera etapa de su carrera, se entiende) o el mismísimo Quentin Tarantino, al hacer uso de una estimulante mezcla entre el thriller, el policíaco, las buddy movies y un humor negro que impregna todo el metraje de sus films. McDonagh, además, tiene la capacidad de convertir a sus personajes en seres carismáticos, de los que se recuerdan con el paso del tiempo. Desde el Brendan Gleeson de Escondidos en Brujas hasta el personaje interpretado por el gran Christopher Walken en Siete psicópatas, una de las actuaciones más memorables que nos ha dejado el cine de los últimos tiempos.

Belén Martínez, en el programa 1x23 de Cine L'Atalante nos trajo la faceta más curiosa de la filmografía de McDonagh, que empezó por todo lo alto ganando el Oscar en 2004 por Six Shooter, un cortometraje en el que ya se apuntaban alguno de sus rasgos característicos y en el que ya aparecía Brendan Gleeson. Y es que a McDonagh le gusta repetir con sus actores, ya que también Colin Farrell protagoniza sus dos largometrajes, y a tenor de las declaraciones del actor irlandés (en el que pone por las nubes al realizador), lo veremos en la tercera. 

En nuestro programa 1x23, Vittoria Zanetti nos trajo los films que en 2013 se hicieron con el Oscar y el Goya en la categoría de mejor cortometraje de animación. Una categoría en la que se tiene en cuenta tanto la calidad visual (ya sea stop-motion, animación tradicional o tecnología en 3D) como la valía de un guión que tiene la dificultad de condensar en unos pocos minutos una historia que debe resultar atractiva.

En los pasados premios Goya, el ganador fue El vendedor de humo (2011), film dirigido por Jaime Maestro y realizado por la escuela valenciana PrimerFrame. Realizado en una muy cuidada animación 3D, relata la historia de un vendedor de humo ambulante capaz de convertir en realidad (¿o no tanto?) los sueños de los habitantes de un pueblo. Una historia sin palabras con un sorprendente giro final que se ganó el aprecio de los miembros de la Academia Española de cine.

Por su parte, en los últimos Oscar el triunfador fue Paperman (John Kahrs, 2012), una pequeña joya tierna y buenrollista con el sello Disney, que de nuevo sin palabras retrata una historia de amor atípica, en la que unas notas de amor tienen mucho que ver en el destino de una pareja. 

Xelo Agustín, en nuestro programa 1x23, volvió a traernos la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para la semana que está a punto de empezar. Vamos con ella:

Por orden cronológico, la primera cita es el lunes 13 de mayo en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau, donde se clausura el ciclo Sexo, drogas y Scorsese, que ha recorrido la filmografía en el ámbito del documental musical del director neoyorquino. El film que cierra este ciclo es Shine a Light (2008), película-concierto con The Rolling Stones como protagonistas. El film recorre la carrera del grupo británico desde su aparición en los años 60 hasta la actualidad, en la que se intercalan temas de sus conciertos pertenecientes a la gira A Bigger Bang. Por tanto, broche de oro para un ciclo que ha contado con las grandes estrellas de la música del siglo XX (Bob Dylan, The Beatles y The Rolling Stones) a través de la visión de uno de los más grandes directores de la historia del cine.

El miércoles 15 de mayo continúa, en la facultad de Filología, Traducción y Comunicación, la programación del ciclo Deconstruyendo el amor romántico, esta vez con la proyección de Two Lovers (2008). Nos encontramos ante la clásica situación del triángulo amoroso, con un protagonista (Joaquin Phoenix) a medio camino entre la chica que todos los padres querrían tener como nuera (Vinessa Shaw) y la atractiva aunque volátil e inestable nueva vecina (Gwyneth Paltrow). Sin embargo, el desarrollo de la trama no tiene nada de clásico ni de tópico, y es tratado con habilidad por el realizador James Gray, que firmaba con Two Lovers su cuarta película justo después de la muy reivindicable La noche es nuestra (2007), donde ya coincidió con Joaquin Phoenix. 

Finalmente, el jueves 16 de mayo empieza nuevo ciclo en el Palau de Cerveró, como siempre en colaboración con el IHMC López Piñero. El tema de este mes es el tabaco, visto desde el punto de vista del placer, la adicción y la industria que lo rodea. El film que abre el fuego es un clásico del cine indie como Smoke (1995), cinta coral situada en un estanco de Brooklyn por el que pulula una galería de personajes de lo más diverso entre los que destacan Harvey Keitel, William Hurt o Forest Whitaker entre otros. Dirigida por Wayne Wang y basada en la novela del exitoso escritor Paul Auster (que también figura como guionista y ejerce como codirector no acreditado), la cinta se exhibió con éxito en el Festival de Berlín de 1995.

Recordamos, como siempre, que todas las sesiones son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita, y presentación y coloquio a cargo de los compañeros del Aula de Cinema UV.

Los géneros cinematográficos fueron inventados cuando el cine estaba todavía en pañales, y se crearon con una intención clara y pragmática: ofrecer al espectador unos films perfectamente clasificados y codificados, con sus rasgos propios, y cuya creación podía realizarse prácticamente en serio. Así nació el western, el melodrama, el bélico o la screwball comedy, por poner sólo unos pocos ejemplos.

Pero si hay un género perfectamente codificado y encorsetado dentro de unos parámetros cuasi inamovibles es el cine pornográfico. Nacido industrialmente en la década de los 70 y multiplicado hasta el infinito por la irrupción de internet, parece que el porno y la innovación son dos conceptos antagónicos. Pero si vamos aún más allá, encontramos que los parámetros y los códigos que el porno mainstream (si es posible hablar de tal cosa) maneja se traducen en un cine completamente alejado de la realidad, en la que los roles masculino y femenino están perfectamente definidos como dominante y dominada, respectivamente (salvo las desviaciones sado y bondage, pero ese es otro tema). Situaciones que responden más a las fantasías sexuales del hombre, traducidas en el pene como tótem y centro de la relación sexual (que empieza y termina cuando el hombre queda satisfecho), y en la que la mujer debe satisfacer de forma sumisa los deseos del macho.

Frente a este porno mayoritario existen alternativas, aunque la mayoría de ellas todavía poco conocidas. De investigar en estos mundos se encarga nuestra compañera Xelo Agustín, que en el programa 1x22 de Cine L'Atalante nos trajo interesantes reflexiones sobre el postporno, es decir, un cine pornográfico alejado de los estereotipos que hemos comentado y que pretende ofrecer una visión alternativa, más real, de las relaciones sexuales. No es casualidad tampoco que en este postporno intervengan mujeres como realizadoras y guionistas (sí, hay guionistas) de las películas. En ellas se presenta un sexo más real, más sensible y sobretodo más respetuoso con la dignidad de la mujer, capaz de explorar su propia sexualidad sin tener que ser un trozo de carne en el que el hombre descarga su virilidad. Nombres como Erika Lust ejemplifican a la perfección esta nueva visión de la pornografía, hecha por y para mujeres, pero en la que también los hombres pueden ver reflejada una realidad más verosímil que las increíbles situaciones de la mayoría de las películas porno, en las que la consulta del médico o la visita del fontanero se traducen en situaciones de lujuria desenfrenada.

Para ilustrar el tema, os dejamos algunas direcciones interesantes. Para empezar, el site de Cinco historias para ellas, la película de episodios dirigida por Erika Lust, que también realiza Life, Love, Lust. Además, el manifiesto de Dirty Diaries, declaración de intenciones del porno feminista.Y para acabar, una curiosa hibridación entre el porno y el documental como es Barcelona Sex Project.

Pocos shows televisivos han tenido el impacto artístico y social de Mad Men (2007-?), quizá la punta de lanza de toda una serie de ficciones que en el último lustro han corroborado el inmejorable momento de la televisión como fábrica de talento fílmico, por encima incluso del largometraje. Algo que ya se apuntaba desde finales de los 90 con Los Soprano y que en los últimos tiempos no ha hecho más que confirmarse.

Precisamente en Los Soprano trabajó, como guionista y productor ejecutivo, Matthew Weiner (Baltimore, 1965), el showrunner de Mad Men. De esta serie se encarga de hablarnos Elisa Hernández en nuestro programa 1x22, destacándola como uno de los mejores shows que el espectador puede encontrarse en este momento. Situada en New York en los siempre sugerentes años 60, la serie recrea una época clave en la sociedad estadounidense, liberada ya del trauma de la II Guerra Mundial y sumergida en un periodo de bonanza económica que se tradujo en la consagración definitiva del american way of life.

En este contexto, el mundo de la publicidad se convirtió en catalizador de los sueños, esperanzas y anhelos del americano medio, representando una metáfora perfecta de la nueva personalidad social que se estaba forjando. Por eso, no es casual que Mad Men se sitúe en una agencia publicitaria, lugar en el que se tejen los deseos de toda una generación de ciudadanos. Pero por supuesto, Mad Men no es una serie sobre la publicidad (aunque también), sino que va mucho más allá. Es el retrato de la ilusión de la felicidad, de una búsqueda que no termina nunca y que apenas culmina con pírricas victorias contra la insatisfacción. Don Draper, el personaje principal (interpretado icónicamente por Jon Hamm, nuevo prototipo del hombre übersexual, sexy sin perder su aureola de macho alfa) representa esa insatisfacción constante, esa infelicidad disfrazada de éxito social y profesional, la desazón del individuo en una época en la que todo parecía ir sobre ruedas.

Hace pocas semanas se estrenó la sexta (y penúltima) temporada de Mad Men, como siempre a través de la cadena AMC. Este puede ser un buen momento para volver al principio y repasar las cinco temporadas anteriores. Seguro que merece la pena.

Con la llegada de un nuevo mes, el Aula de Cinema de la Universitat de València inicia una nueva programación tanto en la facultad de Filología como en el Palau de Cerveró. Eso sí, esta última no comenzará hasta el jueves 16 de mayo, por lo que ya hablaremos de ella en próximas entradas del blog y en próximos programas de Cine L'Atalante.

De momento nos quedamos con las películas de las que Xelo Agustín nos habló en nuestro programa 1x22. Empezamos por el ciclo Sexo, drogas y Scorsese, que continúa celebrándose en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau. El lunes 6 de mayo le toca el turno a George Harrison: Living in the Material World (2011), documental que el director neoyorquino dedica al guitarrista de The Beatles. El film no sólo sirve para adentrarse en profundidad en la personalidad del Beatle más desconocido e introspectivo (aunque de un talento equiparable a Lennon y McCartney), sino que también refleja el espíritu de una época en la que la música, y la cultura y la sociedad a través de ella, estaba sufriendo unos profundos cambios.

Por otro lado, el miércoles 8 de mayo da comienzo en Filología el ciclo Deconstruyendo el amor romántico, que pretende ofrecer visiones alternativas y diferentes a algo tan habitual y susceptible de caer en el tópico como es el romanticismo y las historias de amor. La primera película de este ciclo es (500) días juntos (2009), film de Marc Webb (director del último Spider-Man) que protagonizan Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel, y que retrata de forma atípica la típica historia de chico-conoce-chica y chico-pierde-chica.

Todas las proyecciones del Aula de Cinema de la UV son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita, y con presentación y coloquio a cargo de los miembros del Aula.