Archive for marzo 2013

Seriefilia: House of Cards


Los entresijos de la política y todo lo que se cuece entre bambalinas en los centros de poder han sido desde siempre un caramelo muy apetecible para los guionistas de cine y televisión. Y es que no hay nada más dramatizable que todo ese juego de intrigas, engaños, mentiras y pasiones que a buen seguro abundan en la cara oculta del poder.

Hace unos años, Aaron Sorkin sentó cátedra en lo que se refiere a cómo debe ser una buena serie de TV sobre este tema, con la magistral El ala oeste de la Casa Blanca (1999-2006), obra de referencia cuando pensamos en los resquicios y los mecanismos de la política. Sin embargo, Elisa Hernández se detiene en nuestro programa 1x18 en analizar otra ficción que se está convirtiendo en todo un fenómeno, como es House of Cards (2013).

La serie se basa en otro TV show de principios de los años 90 y que se filmó al otro lado del Atlántico. El House of Cards británico (1990) estaba ambientando en los años finales del tatcherismo, y también desde la perspectiva de un poderoso miembro del partido tory. En cuanto a la serie americana, el protagonista esta vez es Francis Underwood (Kevin Spacey), un congresista capaz de cualquier cosa con tal de obtener poder y reconocimiento dentro del mundo de la política. 

House of Cards viene avalada por un nombre tan importante dentro de la industria del cine actual como David Fincher, su principal impulsor, director de los dos primeros episodios de la primera temporada y sobretodo creador de la ambientación y el tono general de la serie, similar a los ambientes claustrofóbicos y de marcado claroscuro de, por ejemplo, Zodiac o Los hombres que no amaban a las mujeres. Además de Fincher, la serie cuenta con Beau Willimon como showrunner, guionista de Los idus de marzo, película de George Clooney también con las entrañas del poder como protagonista. Además, claro está, de las grandes interpretaciones de Kevin Spacey y Robin Wright, su esposa en la ficción.

La serie cuenta también con la particularidad de su distribución, ya que después de pasar por los despachos de varias cadenas acabó en poder de la plataforma de VOD Netflix, que colgó a principios de febrero de este año todos los capítulos de la primera temporada. Una maniobra nada habitual (sobre todo en EE.UU., aquí es otra cosa), acostumbrados como están a recibir las series con una periodicidad semanal para fidelizar al público. De momento, la apuesta le ha salido bien a Netflix, ya que House of Cards es el programa más visto en la plataforma. Un buen indicador de la calidad de esta serie.



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Programación Aula de Cinema UV: Marzo-Abril 2013 (I)


Como siempre, una de las secciones de nuestro programa está dedicada a repasar la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para las proyecciones en la Facultad de Filología y en el Palau de Cerveró. Nuevamente Xelo Agustín es la encargada de conducirnos por este recorrido en nuestro programa 1x18.

En esta ocasión, recordamos los films que cierran los ciclos del mes de marzo y los que inauguran el mes de abril, ya que la semana que viene no tendremos programa por las vacaciones de Pascua. Así, antes de la Semana Santa se clausuran los ciclos sobre Mujeres y Política y Aborto: un derecho cuestionado, y en la segunda semana de abril dará comienzo la nueva programación.

La última película del ciclo sobre el aborto en el Palau de Cerveró cambia su día habitual. No es el jueves  28 (que coincide con Jueves Santo) sino el martes 27 cuando se puede ver Lago de fuego (Tony Kaye, 2006). Estamos ante un film documental que retrata la problemática del aborto desde todos los puntos de vista, tanto de los que están en contra de esta práctica como de los que defienden el derecho a decidir, contando con testimonios de madres, médicos y todos los implicados en el asunto. Para completar esta película, Tony Kaye dedicó más de quince años (empezó a rodarla en 1990), y mientras tanto realizó su largometraje más conocido, American History X (1998), un relato crudo sobre el fanatismo y la violencia.


El miércoles 27 se proyecta en Filología la película Clara Campoamor, la mujer olvidada (Laura Mañá, 2011), un film para TV que protagoniza Elvira Mínguez. La película se sitúa en la época de la II República, en la que Campoamor y otras políticas como Victoria Kent luchan por conseguir el derecho a voto de las mujeres. De esta manera se cierra el ciclo sobre Mujeres y política que ha conmemorado el Mes de la Mujer y en el que como siempre el Aula de Cinema ha participado con una programación específica sobre temas feministas.

Después de Pascuas empiezan dos nuevos ciclos. En Filología da comienzo el titulado El cuarto poder, que se centra en el mundo del periodismo y la relación de éste con la información, la verdad y el servicio público. La película que inaugura la programación (miércoles 10 de abril) es todo un clásico del género como El gran carnaval (Billy Wilder, 1951), uno de los acercamientos más crudos al sensacionalismo periodístico. En el film, un reportero venido a menos (Kirk Douglas) intenta recuperar su prestigio aprovechándose de una trágica historia en un pequeño pueblo minero, en la que es una de las obras más infravaloradas de un Billy Wilder que venía de rodar la magistral El crepúsculo de los dioses (1950).

Y finalmente, el ciclo de abril en el Palau de Cerveró (como siempre, en colaboración con el Instituto de Historia de la Medicina y la Ciencia López Piñero) tendrá como tema principal el Psicoanálisis, empezando  (el jueves 11 de abril) por el film Freud, pasión secreta (John Huston, 1962). En esta película se aborda la figura de Sigmund Freud (Montgomery Clift), padre fundador de esta disciplina basada en la interpretación del subconsciente como generador de comportamientos, filias y fobias, y todo de la mano de uno de los mejores directores de la historia del cine.


Recordamos también que las sesiones son a las 18 horas con entrada libre y gratuita, y con presentación y coloquio a cargo de nuestros compañeros del Aula de Cinema UV.



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Mensaje de apoyo a los extrabajadores de la Videoteca del Centro de Documentación del IVAC



Desde Cine L'Atalante y junto con todos los miembros del Cinefórum L'Atalante queremos expresar públicamente nuestro apoyo a Santi Barrachina y Mar Baztán, responsables de la Videoteca del Centro de Documentación del IVAC desde su creación en 2008, que han sido relegados de sus puestos de trabajo como consecuencia de los duros recortes y las transformaciones estructurales que ha sufrido recientemente la institución. Ambos han desempeñado desde su posición una labor encomiable en la difusión del audiovisual, caracterizada por el esfuerzo, la iniciativa y el entusiasmo. Nuestra asociación siempre estará en deuda por la estrecha colaboración prestada por ambos en nuestras actividades, facilitándonos la tarea con su profesionalidad y dedicación.


Desde aquí manifestamos nuestro profundo malestar por esta decisión, que demuestra una vez más el desinterés por la cultura del gobierno valenciano, que, amparándose en la coartada de la crisis económica, está desmantelando servicios públicos imprescindibles para una sociedad rica, no en bienes materiales, sino en conocimiento y valores.



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Catherine Deneuve cumple 70 años

En Cine L'Atalante tenemos una sección, llamada Se cumplen, en la que nos gusta detenernos en la carrera cinematográfica de alguien que celebra algún tipo de efeméride en el presente año. Es el caso de la actriz Catherine Deneuve (París, 1943), que el próximo 22 de octubre soplará 70 velitas en su tarta de cumpleaños.

No cabe duda de que la Deneuve es una de las intérpretes más importantes del cine europeo de las últimas décadas, después de trabajar con muchos de los mejores directores del continente, desde François Truffaut a Lars von Trier, pasando por Roman Polanski, Jacques Demy, François Ozon, Manoel de Oliveira o Luis Buñuel. Más de un centenar de películas en las que Catherine ha paseado su particular belleza glacial y su elegancia comparable con la de bien pocas actrices.

En nuestro programa 1x18 hemos querido recordar la carrera de Catherine Deneuve, de la mano de Amelia Falcó y Mabuse. Nos detenemos especialmente en dos películas, una de la Deneuve joven y otra en su época de madurez. La primera de ellas es Belle de jour (Luis Buñuel, 1967), en la que la actriz interpreta a una mujer burguesa con problemas de frigidez, y que intenta dar rienda suelta a sus instintos sexuales dedicándose a la prostitución. Una nueva provocación del director aragonés, que volvería a trabajar con la parisina en Tristana (1970), otro film no exento de referencias sexuales sórdidas e incómodas para esa burguesía a la que Buñuel gustaba tanto sacar los colores.

Muchos años después, Catherine Deneuve protagonizaría 8 mujeres (François Ozon, 2002), película que combinaba la intriga y el suspense con la comedia y el musical, y que además congregó a algunas de las mejores actrices francesas de los últimos tiempos, como Isabelle Huppert, Fanny Ardant o Emmanuelle Béart. Además, claro está, de la propia Catherine Deneuve, que hace las delicias de sus seguidores cantando y bailando casi cuarenta años después de la inolvidable Los paraguas de Cherburgo (1964).



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Revista Con A de animación: reivindicando la animación en España

En los últimos años se ha podido comprobar que el cine de animación es uno de los principales baluartes de la industria del cine a la hora de buscar beneficios en la taquilla. En EE.UU. asistimos cada año a la sana competencia entre las dos grandes compañías del sector, Dreamworks y Pixar, por lanzar la mejor película posible, una lucha de la que el espectador sale beneficiado. Pero es que además de estos dos mastodontes aparecen también productos de otras compañías que también compiten por su trozo de pastel.

En el caso español, podemos decir que estamos viviendo una época dorada del cine de animación, que cada vez tiene mayor renombre y repercusión, y está viendo como mejoran sus datos en cuanto a crítica, recepción del público y rentabilidad económica. No hay más que ver el caso de Las aventuras de Tadeo Jones (Enrique Gato, 2012), un film de modestas pretensiones que ha sido un auténtico fenómeno en taquilla el pasado año (y que acaba de recibir tres premios Goya), y del que ya se prepara secuela.

De todo esto y mucho más hablamos en el programa 1x17 con María Lorenzo, profesora en la facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de Valencia y directora de la revista Con A de animación. Precisamente del tercer número de esta revista (de publicación anual) nos habla con detenimiento, un número que destaca por el cuidado de su edición, el prestigio de los firmantes de sus artículos y por versar sobre un tema tan interesante como la situación pasada, presente y futura de la animación en España bajo el epígrafe Animación al rescate.

Y es que resulta muy interesante la existencia de publicaciones como Con A de animación en el mercado editorial español, ya que ofrecen una investigación rigurosa destinada al ámbito académico pero también de sumo interés para todo aquél que esté interesado en este tema. Por cierto, este tercer número estará disponible por primera vez en algunas tiendas especializadas (permaneced atentos a nuestros canales de información porque daremos buena cuenta de ello), y también se puede adquirir como siempre en la tienda de publicaciones de la UPV y de manera online a través de Sendemá Editorial por tan solo 12 euros.


Además, María Lorenzo nos habló de una película como O Apóstolo (Fernando Cortizo, 2012), una cinta rodada de forma artesanal en un innovador stop-motion esteroscópico, y que pasó bastante de puntillas por nuestros cines a finales del año pasado. Sin embargo, es una película que sorprende por su presentación visual y por lo sólido de un guión que se sitúa en la Galicia profunda.



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El Remake: Scorsese y el thriller oriental


No es necesario volver a incidir en el hecho de que el cine (y Hollywood en especial medida) se ha nutrido desde siempre de la readaptación, recuperación y reinterpretación de viejas ideas, ya sean propias o ajenas. Y también es por todos sabido que en las dos últimas décadas el cine oriental -especialmente en su versión thriller o terror- ha sido un caladero inagotable para la industria norteamericana, que de paso ha conseguido revalorizar el producto original, que de otra manera tendría una difusión más complicada.

Casos como las versiones americanas de Godzilla (1998), The Ring (2002) o El grito (2004) son paradigmas de esa transfusión de ideas y conceptos desde el mercado asiático hasta el americano, con resultados bastante dispares. Pero en nuestro programa 1x17 (de la mano, como siempre, de Guillermo Rodríguez), hemos querido detenernos en un remake que nada más y nada menos se llevó el Oscar a Mejor Película y Mejor Director en 2007. Estamos hablando, por supuesto, de Infiltrados (The DepartedMartin Scorsese, 2006).

Lo que pasó en aquella ceremonia de los Oscars fue algo que pocos entendieron. Si bien es cierto que la Academia tenía una deuda histórica con el director de Taxi Driver (1976), Toro Salvaje (1980) o Uno de los nuestros (1991), siete veces nominado y nunca galardonado, también es verdad que darle el Oscar por una película en la que modifica bastante poco el material de partida no parece del todo justo. Y es que Infiltrados no se aleja en casi nada de su predecesora, la cinta de Hong Kong Juego sucio (Mou gaan dou, 2002), más conocida en nuestros lares como Infernal Affairs


Esta película se convirtió en todo un fenómeno en el lejano Oriente, dando lugar además a dos secuelas. Dirigida por Andy Lau y Alan Mak, Infernal Affairs es un thriller de acción basado en la tensión que se produce al saber de la existencia de dos infiltrados, un policía en la banda de un poderoso mafioso, y de uno de los miembros de esta banda en la policía. Es decir, una trama idéntica al film de Scorsese, en el que Leonardo DiCaprio es el policía infiltrado en la banda dirigida por Jack Nicholson y Matt Damon es el topo de la mafia en el cuerpo de policía.

Como decimos siempre en esta sección, es necesario ver las dos películas para poder comparar. Pero nunca es tarde para reivindicar el estimulante cine que llega del mercado asiático, muchas veces en condiciones pésimas de distribución pero donde la existencia de remakes como en este caso ha permitido incrementar (por suerte) su visibilidad.



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Programación Aula de Cinema UV: Marzo 2013 (II)


Empezamos recordando a nuestros lectores y oyentes del programa de radio que el próximo martes 19 de marzo no habrá Cine L'Atalante por ser festivo en la ciudad de Valencia. Por este motivo, en nuestro programa 1x17 adelantamos, con Xelo Agustín, la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para las próximas semanas.

Como comentábamos la semana pasada, en marzo celebramos el mes de la mujer, por lo que continúa nuestro ciclo titulado Mujeres y política en la facultad de Filología. El miércoles 13 de marzo se podrá ver Rosa Luxemburgo (Margherite von Trotta, 1986), que nos acerca a la historia de uno de los personajes clave en la política de principios del siglo XX. Activista comprometida con los ideales marxistas y con la lucha por los derechos sociales, esta alemana de origen polaco fue una de las fundadoras del movimiento espartaquista, que posteriormente derivaría en el Partido Comunista Alemán. Rosa Luxemburgo fue detenida, encarcelada y ejecutada en enero de 1919 junto a su compañero Karl Liebknecht después de la fallida Revolución de Noviembre, pero la figura de ambos sigue siendo venerada hoy en día como símbolo de la lucha contra el imperialismo. La película está protagonizada por Barbara Sukowa (premiada en Cannes como mejor intérprete) y filmada por Margherite von Trotta, una de las realizadoras más comprometidas con el feminismo y perteneciente además al movimiento del Nuevo Cine Alemán de los años 70, en el que destacaron figuras como Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Wim Wenders o Volker Schlöndorff, marido además de von Trotta.

Y para la semana siguiente, el miércoles 20 de marzo, la película elegida es Norma Rae (Martin Ritt, 1979). Este film está basado en la historia real de Crystal Lee Sutton, una humilde trabajadora de una fábrica textil de Carolina del Norte que inicia el camino hacia la unión sindical de los operarios para combatir unas condiciones laborales inhumanas. La película le valió además el Oscar como Mejor Actriz Principal a Sally Field, nominada este año como secundaria por Lincoln.

Por su parte, en el Palau de Cerveró continúa el ciclo Aborto: un derecho cuestionado. El jueves 14 tendremos una sección doble en la que se proyectarán El grito silencioso (1984) y Decálogo nº2: no tomarás el nombre de Dios en vano (1989). La primera es un documental en el que el doctor Bernard Nathanson (uno de los más destacados abortistas en la década de los 60 y 70 pero que luego se erigió en figura clave de la lucha contra esta práctica) narra el proceso de interrupción de un embarazo de 14 semanas, que se muestra en directo a través de una ecografía, con la tesis de que el feto sufre y padece dolores e incluso hasta parece gritar. Un film muy polémico que se convirtió en bandera del movimiento provida y de los sectores más conservadores pero que la comunidad médica en general considera sensacionalista, alarmista, manipulador e inexacto. 


En cuanto a la otra película, forma parte del Decálogo que el director polaco Krzysztof Kieslowski filmó para la televisión de su país a finales de los 80, diez films inspirados en los pecados capitales. En este caso, narra la historia de una mujer cuyo marido tiene una enfermedad terminal y que está embarazada de otro hombre, produciendo el debate sobre si debe tener o no ese hijo.

La próxima semana, concretamente el jueves 21 de marzo, se proyectará Citizen Ruth (1996), el debut como director de Alexander Payne, director de Entre copas (2004) o la reciente y exitosa Los descendientes (2011). Citizen Ruth está protagonizada por una mujer (Laura Dern) alcohólica, drogadicta y que ha perdido la custodia de sus hijos. Cuando queda nuevamente embarazada, se ve inmersa en una confrontación entre partidarios y detractores del aborto que intentan unirla a su causa.


Como siempre, las proyecciones son a las 18 horas en versión original subtitulada, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de nuestros compañeros del Aula de Cinema UV.



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Jim Henson y la nostalgia: Dentro del laberinto

Hablar de una película como Dentro del laberinto (Labyrinth, 1986) es recordar un pequeño trocito de nuestra infancia. Esa infancia forjada en una época en la que el cine se encargaba de mezclar realidad y fantasía dando lugar a títulos inolvidables como Legend (1985), Willow (1988), La princesa prometida (1987) o La historia interminable (1984), por sólo citar unas pocas que sin duda están en el imaginario infantil de la mayoría de nuestros lectores.

Elisa Hernández nos habló de Dentro del laberinto en nuestro programa 1x16 con la peregrina excusa del lanzamiento del nuevo disco de David Bowie, después de muchos años de silencio. Aunque no hace falta ninguna excusa especial para charlar largo y tendido sobre esta pequeña joya del cine de los ochenta, un auténtico muestrario de virtuosismo en la dirección artística y el vestuario y quizá la obra cumbre de Jim Henson en el mundo del cine, aunque el resultado final se viera profundamente modificado por la intervención de George Lucas y el monty python Terry Jones, que produjo cierto distanciamiento por parte del creador de los Teleñecos, Barrio Sésamo o Fraggle Rock.

La película está narrada como el tradicional cuento de hadas, en el que una joven (Jennifer Connelly en su primer papel principal) se ve obligada a adentrarse en un mundo de fantasía para salvar la vida de su hermanito, secuestrado por el malvado rey de los goblins (el propio Bowie reviviendo su época más glam) por culpa del egoísmo de la protagonista. Pero como suele ser habitual, este envoltorio aparentemente inocuo encierra muchos significados ocultos, asociados no solo al autodescubrimiento sino incluso al despertar sexual.

De Dentro del laberinto se recuerdan numerosas escenas, desde el acertijo de las puertas a la escena final en unas escaleras imposibles que recuerdan los grabados de M.C. Escher. Pero a día de hoy sigue sorprendiendo la credibilidad general de una película grabada de forma artesanal y con marionetas, pero que sigue resultando fascinante aún en estos tiempos de animación digital en tres dimensiones. En definitiva, un film con una enorme carga nostálgica que nos retrotrae a un tiempo que ya nunca volverá y en el que (probablemente) éramos más felices.





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Cortometrajes: la doble cara del mercado laboral


Con un paro que supera el 25% de la población y una cantidad total de aproximadamente seis millones de personas, el tema del mercado laboral es la principal preocupación de la ciudadanía de nuestro país. En nuestro programa 1x16, Vittoria Zanetti nos habla de dos cortometrajes que tienen que ver con este asunto, aunque desde un punto de vista bastante diferente entre sí.

Pecera (Carlos Bouvier, 2011) se presenta con el subtítulo de "El corto más reivindicativo del año", y avalado por varios premios a nivel nacional. El film refleja una situación desgraciadamente cotidiana como es la de la labor de las oficinas de recursos humanos de las empresas, encargadas de la poco agradable tarea de despedir a los trabajadores, con motivos más o menos justificados. Son una pieza más del despiadado engranaje en el que el trabajador suele ser el eslabón más débil de la cadena, y el primero en pagar el pato en caso de dificultades.


El segundo cortometraje, titulado Ataque de pánico! (Fede Álvarez, 2009) no tiene nada que ver con el anterior, ya que este es una historia de ciencia-ficción en la que unos robots gigantes destruyen la ciudad de Montevideo. Lo más llamativo del corto es su calidad visual, a pesar de contar con unos medios relativamente modestos. Así pues, lo que une este film con el tema laboral es el hecho curioso de que horas después de colgar su corto en YouTube, el director Fede Álvarez ya tenía catorce propuestas para trabajar en EE.UU. Y no era un farol, puesto que pocos años después, Álvarez ya tiene su primera película en Hollywood, nada menos que el remake de Posesión infernal (Sam Raimi, 1981). Una buena demostración de que a veces el talento sí puede servir para encontrar un buen trabajo.





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Programación Aula de Cinema UV: Marzo 2013 (I)

Con la llegada del mes de marzo llega también la nueva programación del Aula de Cinema de la Universitat de València, que recordamos que proyecta sus ciclos los miércoles en la facultad de Filología, Traducción y Comunicación y los jueves en el Palau de Cerveró (en colaboración con el IHMC López Piñero), a las 18 horas, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de alguno de los miembros del Aula.

En Filología, con motivo del mes de la mujer y aprovechando la celebración del Día Internacional de la Mujer Trabajadora (el 8 de marzo), proyectaremos el ciclo Mujeres y política. Un ciclo que pretende ofrecer una visión global y variada sobre cómo el cine ha retratado a todas esas mujeres que desde el ámbito de la política y la participación pública han intentado mejorar los derechos de su género en un mundo siempre dominado por hombres, en el que la lucha femenina se ha encontrado con más dificultades si cabe.

La primera película del ciclo, proyectada el miércoles 6 de marzo, es Amor en llamas (Kenji Mizoguchi, 1949). Un film que nos sitúa en el Japón de la era Meiji (finales del siglo XIX), una época en la que el país nipón empezaba a mostrar signos de apertura y equiparación política y cultural al resto de potencias occidentales, una transición muy compleja en un país gobernado por un sistema feudal hasta bien entrado el siglo XIX. Y todavía más complicada desde el punto de vista de una mujer, una chica de pueblo engatusada por las proclamas de progreso e igualdad del Partido Liberal que decide ir a la ciudad para llevar a cabo su lucha por el reconocimiento de la dignidad y los derechos de las mujeres. Con esta película, Mizoguchi vuelve a demostrar su sensibilidad y compromiso con las ideas progresistas y con las cuestiones de género, algo muy presente en una filmografía que incluye obras maestras como Cuentos de la luna pálida (1953) o El intendente Sansho (1954).


En cuanto a la programación del Cerveró, ésta girará en el mes de marzo en torno a un tema tan espinoso como el aborto, bajo el lema Aborto, un derecho cuestionado. El ciclo da comienzo el 5 de marzo con la proyección de Asunto de mujeres (Claude Chabrol, 1988), una película que narra la historia de una mujer cuya familia está necesitada de dinero (el marido ha llegado herido del frente de la II Guerra Mundial) y que se ve abocada a practicar abortos clandestinos en un momento en el que eso estaba completamente prohibido y perseguido. Protagonizada por Isabelle Huppert y François Cluzet, Asunto de mujeres es obra de un director tan irregular como Claude Chabrol, nacido cinematográficamente en el seno de la nouvelle vague pero cuya carrera ha ido por derroteros dispares.

En nuestro programa 1x16 podemos escuchar a nuestros compañeros Héctor Gómez y Elisa Hernández hablando de estas dos películas que inician la programación del Aula de Cinema UV de este mes de marzo.



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