No es necesario volver a incidir en el hecho de que el cine (y Hollywood en especial medida) se ha nutrido desde siempre de la readaptación, recuperación y reinterpretación de viejas ideas, ya sean propias o ajenas. Y también es por todos sabido que en las dos últimas décadas el cine oriental -especialmente en su versión thriller o terror- ha sido un caladero inagotable para la industria norteamericana, que de paso ha conseguido revalorizar el producto original, que de otra manera tendría una difusión más complicada.

Casos como las versiones americanas de Godzilla (1998), The Ring (2002) o El grito (2004) son paradigmas de esa transfusión de ideas y conceptos desde el mercado asiático hasta el americano, con resultados bastante dispares. Pero en nuestro programa 1x17 (de la mano, como siempre, de Guillermo Rodríguez), hemos querido detenernos en un remake que nada más y nada menos se llevó el Oscar a Mejor Película y Mejor Director en 2007. Estamos hablando, por supuesto, de Infiltrados (The Departed, Martin Scorsese, 2006).

Lo que pasó en aquella ceremonia de los Oscars fue algo que pocos entendieron. Si bien es cierto que la Academia tenía una deuda histórica con el director de Taxi Driver (1976), Toro Salvaje (1980) o Uno de los nuestros (1991), siete veces nominado y nunca galardonado, también es verdad que darle el Oscar por una película en la que modifica bastante poco el material de partida no parece del todo justo. Y es que Infiltrados no se aleja en casi nada de su predecesora, la cinta de Hong Kong Juego sucio (Mou gaan dou, 2002), más conocida en nuestros lares como Infernal Affairs. 

Esta película se convirtió en todo un fenómeno en el lejano Oriente, dando lugar además a dos secuelas. Dirigida por Andy Lau y Alan Mak, Infernal Affairs es un thriller de acción basado en la tensión que se produce al saber de la existencia de dos infiltrados, un policía en la banda de un poderoso mafioso, y de uno de los miembros de esta banda en la policía. Es decir, una trama idéntica al film de Scorsese, en el que Leonardo DiCaprio es el policía infiltrado en la banda dirigida por Jack Nicholson y Matt Damon es el topo de la mafia en el cuerpo de policía.

Como decimos siempre en esta sección, es necesario ver las dos películas para poder comparar. Pero nunca es tarde para reivindicar el estimulante cine que llega del mercado asiático, muchas veces en condiciones pésimas de distribución pero donde la existencia de remakes como en este caso ha permitido incrementar (por suerte) su visibilidad.

Empezamos recordando a nuestros lectores y oyentes del programa de radio que el próximo martes 19 de marzo no habrá Cine L'Atalante por ser festivo en la ciudad de Valencia. Por este motivo, en nuestro programa 1x17 adelantamos, con Xelo Agustín, la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para las próximas semanas.

Como comentábamos la semana pasada, en marzo celebramos el mes de la mujer, por lo que continúa nuestro ciclo titulado Mujeres y política en la facultad de Filología. El miércoles 13 de marzo se podrá ver Rosa Luxemburgo (Margherite von Trotta, 1986), que nos acerca a la historia de uno de los personajes clave en la política de principios del siglo XX. Activista comprometida con los ideales marxistas y con la lucha por los derechos sociales, esta alemana de origen polaco fue una de las fundadoras del movimiento espartaquista, que posteriormente derivaría en el Partido Comunista Alemán. Rosa Luxemburgo fue detenida, encarcelada y ejecutada en enero de 1919 junto a su compañero Karl Liebknecht después de la fallida Revolución de Noviembre, pero la figura de ambos sigue siendo venerada hoy en día como símbolo de la lucha contra el imperialismo. La película está protagonizada por Barbara Sukowa (premiada en Cannes como mejor intérprete) y filmada por Margherite von Trotta, una de las realizadoras más comprometidas con el feminismo y perteneciente además al movimiento del Nuevo Cine Alemán de los años 70, en el que destacaron figuras como Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Wim Wenders o Volker Schlöndorff, marido además de von Trotta.

Y para la semana siguiente, el miércoles 20 de marzo, la película elegida es Norma Rae (Martin Ritt, 1979). Este film está basado en la historia real de Crystal Lee Sutton, una humilde trabajadora de una fábrica textil de Carolina del Norte que inicia el camino hacia la unión sindical de los operarios para combatir unas condiciones laborales inhumanas. La película le valió además el Oscar como Mejor Actriz Principal a Sally Field, nominada este año como secundaria por Lincoln.

Por su parte, en el Palau de Cerveró continúa el ciclo Aborto: un derecho cuestionado. El jueves 14 tendremos una sección doble en la que se proyectarán El grito silencioso (1984) y Decálogo nº2: no tomarás el nombre de Dios en vano (1989). La primera es un documental en el que el doctor Bernard Nathanson (uno de los más destacados abortistas en la década de los 60 y 70 pero que luego se erigió en figura clave de la lucha contra esta práctica) narra el proceso de interrupción de un embarazo de 14 semanas, que se muestra en directo a través de una ecografía, con la tesis de que el feto sufre y padece dolores e incluso hasta parece gritar. Un film muy polémico que se convirtió en bandera del movimiento provida y de los sectores más conservadores pero que la comunidad médica en general considera sensacionalista, alarmista, manipulador e inexacto. 

En cuanto a la otra película, forma parte del Decálogo que el director polaco Krzysztof Kieslowski filmó para la televisión de su país a finales de los 80, diez films inspirados en los pecados capitales. En este caso, narra la historia de una mujer cuyo marido tiene una enfermedad terminal y que está embarazada de otro hombre, produciendo el debate sobre si debe tener o no ese hijo.

La próxima semana, concretamente el jueves 21 de marzo, se proyectará Citizen Ruth (1996), el debut como director de Alexander Payne, director de Entre copas (2004) o la reciente y exitosa Los descendientes (2011). Citizen Ruth está protagonizada por una mujer (Laura Dern) alcohólica, drogadicta y que ha perdido la custodia de sus hijos. Cuando queda nuevamente embarazada, se ve inmersa en una confrontación entre partidarios y detractores del aborto que intentan unirla a su causa.

Como siempre, las proyecciones son a las 18 horas en versión original subtitulada, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de nuestros compañeros del Aula de Cinema UV.

Hablar de una película como Dentro del laberinto (Labyrinth, 1986) es recordar un pequeño trocito de nuestra infancia. Esa infancia forjada en una época en la que el cine se encargaba de mezclar realidad y fantasía dando lugar a títulos inolvidables como Legend (1985), Willow (1988), La princesa prometida (1987) o La historia interminable (1984), por sólo citar unas pocas que sin duda están en el imaginario infantil de la mayoría de nuestros lectores.

Elisa Hernández nos habló de Dentro del laberinto en nuestro programa 1x16 con la peregrina excusa del lanzamiento del nuevo disco de David Bowie, después de muchos años de silencio. Aunque no hace falta ninguna excusa especial para charlar largo y tendido sobre esta pequeña joya del cine de los ochenta, un auténtico muestrario de virtuosismo en la dirección artística y el vestuario y quizá la obra cumbre de Jim Henson en el mundo del cine, aunque el resultado final se viera profundamente modificado por la intervención de George Lucas y el monty python Terry Jones, que produjo cierto distanciamiento por parte del creador de los Teleñecos, Barrio Sésamo o Fraggle Rock.

La película está narrada como el tradicional cuento de hadas, en el que una joven (Jennifer Connelly en su primer papel principal) se ve obligada a adentrarse en un mundo de fantasía para salvar la vida de su hermanito, secuestrado por el malvado rey de los goblins (el propio Bowie reviviendo su época más glam) por culpa del egoísmo de la protagonista. Pero como suele ser habitual, este envoltorio aparentemente inocuo encierra muchos significados ocultos, asociados no solo al autodescubrimiento sino incluso al despertar sexual.

De Dentro del laberinto se recuerdan numerosas escenas, desde el acertijo de las puertas a la escena final en unas escaleras imposibles que recuerdan los grabados de M.C. Escher. Pero a día de hoy sigue sorprendiendo la credibilidad general de una película grabada de forma artesanal y con marionetas, pero que sigue resultando fascinante aún en estos tiempos de animación digital en tres dimensiones. En definitiva, un film con una enorme carga nostálgica que nos retrotrae a un tiempo que ya nunca volverá y en el que (probablemente) éramos más felices.

Con un paro que supera el 25% de la población y una cantidad total de aproximadamente seis millones de personas, el tema del mercado laboral es la principal preocupación de la ciudadanía de nuestro país. En nuestro programa 1x16, Vittoria Zanetti nos habla de dos cortometrajes que tienen que ver con este asunto, aunque desde un punto de vista bastante diferente entre sí.

Pecera (Carlos Bouvier, 2011) se presenta con el subtítulo de "El corto más reivindicativo del año", y avalado por varios premios a nivel nacional. El film refleja una situación desgraciadamente cotidiana como es la de la labor de las oficinas de recursos humanos de las empresas, encargadas de la poco agradable tarea de despedir a los trabajadores, con motivos más o menos justificados. Son una pieza más del despiadado engranaje en el que el trabajador suele ser el eslabón más débil de la cadena, y el primero en pagar el pato en caso de dificultades.

El segundo cortometraje, titulado Ataque de pánico! (Fede Álvarez, 2009) no tiene nada que ver con el anterior, ya que este es una historia de ciencia-ficción en la que unos robots gigantes destruyen la ciudad de Montevideo. Lo más llamativo del corto es su calidad visual, a pesar de contar con unos medios relativamente modestos. Así pues, lo que une este film con el tema laboral es el hecho curioso de que horas después de colgar su corto en YouTube, el director Fede Álvarez ya tenía catorce propuestas para trabajar en EE.UU. Y no era un farol, puesto que pocos años después, Álvarez ya tiene su primera película en Hollywood, nada menos que el remake de Posesión infernal (Sam Raimi, 1981). Una buena demostración de que a veces el talento sí puede servir para encontrar un buen trabajo.

Con la llegada del mes de marzo llega también la nueva programación del Aula de Cinema de la Universitat de València, que recordamos que proyecta sus ciclos los miércoles en la facultad de Filología, Traducción y Comunicación y los jueves en el Palau de Cerveró (en colaboración con el IHMC López Piñero), a las 18 horas, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de alguno de los miembros del Aula.

En Filología, con motivo del mes de la mujer y aprovechando la celebración del Día Internacional de la Mujer Trabajadora (el 8 de marzo), proyectaremos el ciclo Mujeres y política. Un ciclo que pretende ofrecer una visión global y variada sobre cómo el cine ha retratado a todas esas mujeres que desde el ámbito de la política y la participación pública han intentado mejorar los derechos de su género en un mundo siempre dominado por hombres, en el que la lucha femenina se ha encontrado con más dificultades si cabe.

La primera película del ciclo, proyectada el miércoles 6 de marzo, es Amor en llamas (Kenji Mizoguchi, 1949). Un film que nos sitúa en el Japón de la era Meiji (finales del siglo XIX), una época en la que el país nipón empezaba a mostrar signos de apertura y equiparación política y cultural al resto de potencias occidentales, una transición muy compleja en un país gobernado por un sistema feudal hasta bien entrado el siglo XIX. Y todavía más complicada desde el punto de vista de una mujer, una chica de pueblo engatusada por las proclamas de progreso e igualdad del Partido Liberal que decide ir a la ciudad para llevar a cabo su lucha por el reconocimiento de la dignidad y los derechos de las mujeres. Con esta película, Mizoguchi vuelve a demostrar su sensibilidad y compromiso con las ideas progresistas y con las cuestiones de género, algo muy presente en una filmografía que incluye obras maestras como Cuentos de la luna pálida (1953) o El intendente Sansho (1954).

En cuanto a la programación del Cerveró, ésta girará en el mes de marzo en torno a un tema tan espinoso como el aborto, bajo el lema Aborto, un derecho cuestionado. El ciclo da comienzo el 5 de marzo con la proyección de Asunto de mujeres (Claude Chabrol, 1988), una película que narra la historia de una mujer cuya familia está necesitada de dinero (el marido ha llegado herido del frente de la II Guerra Mundial) y que se ve abocada a practicar abortos clandestinos en un momento en el que eso estaba completamente prohibido y perseguido. Protagonizada por Isabelle Huppert y François Cluzet, Asunto de mujeres es obra de un director tan irregular como Claude Chabrol, nacido cinematográficamente en el seno de la nouvelle vague pero cuya carrera ha ido por derroteros dispares.

En nuestro programa 1x16 podemos escuchar a nuestros compañeros Héctor Gómez y Elisa Hernández hablando de estas dos películas que inician la programación del Aula de Cinema UV de este mes de marzo.

Hacía tiempo que teníamos algo olvidada una de nuestras secciones preferidas, Al rescate. En ella intentamos hablar de aquellas películas olvidadas, maltratadas en su momento o que directamente duermen el sueño de los justos en alguna estantería polvorienta de un cinéfilo.

Todos estos requisitos podría cumplir una película como Diferente (1961), que desde su propio título indica que estamos ante una rara avis de la historia del cine español. Y es que Diferente es una auténtica rareza en cuanto a forma y contenido, una película que milagrosamente esquivó la censura franquista pero que ahora mismo es casi imposible de encontrar, y es necesaria una labor casi arqueológica para hacerse con una copia. Todos estos factores, sin embargo, la han acabado por convertir en uno de esos films con estatus de culto.

En nuestro programa 1x15 hemos tenido la suerte de contar con Santi Barrachina, gran conocedor de todas estas joyas ocultas gracias a su labor en la Videoteca del IVAC y que además presenta un más que interesante programa cultural todos los sábados por la tarde en Ràdio Klara  (104.4 FM) titulado Café con vistas. Un programa en el que, por cierto, Elisa Hernández y Héctor Gómez, compañeros de Cine L'Atalante, estuvieron invitados hace unos días para hablar de La noche más oscura. (Podéis escuchar el podcast de ese programa pinchando aquí)

Volviendo a la película que nos ocupa, Diferente es un melodrama musical dirigido por Luis María Delgado, pero cuya historia se la debemos al coreógrafo y bailarín argentino Alfredo Alaria, verdadero artífice del film y su protagonista principal. La película bebe de la tradición del musical americano contemporáneo (West Side Story sobretodo) y supone un hito casi único en la historia de este género en nuestro país. Además, el film trata de una manera sutil el tema de la homosexualidad, algo que creó polémica en su día pero que no le impidió superar la férrea censura de la época. Estamos, en definitiva, ante una película muy interesante por lo que supone en cuanto a ruptura con los clichés del cine español del momento, pero que más de medio siglo después de su realización ha quedado olvidada para casi todo el mundo, y que nosotros intentamos rescatar.

El pasado 31 de enero finalizaba la séptima y última temporada de Rockefeller Plaza (30 Rock, 2006-2013), una de las series de TV mejor valoradas por la crítica y también por nuestra seriefila particular, Elisa Hernández. Con ella charlamos de esta serie en nuestro programa 1x15.

Creada por la gran Tina Fey (guionista de Saturday Night Live y una de las mejores cómicas del mundo, sin duda), la serie podría considerarse como una exageración de la propia vida de su creadora. Fey es Liz Lemon, una productora y guionista de un show de TV que tiene la difícil tarea de conseguir que su programa salga adelante a pesar de unos actores totalmente disfuncionales y malcriados, y al mismo tiempo debe mantener una vida social y familiar estable.

Rockefeller Plaza ha hecho gala durante todas sus temporadas de un humor muy autoreferencial (lo que fideliza todavía más a su audiencia) y muy relacionado con el mundo del showbiz americano, pero siempre manteniendo una línea cómica muy personal que la convierte en un producto único. La serie cuenta además con el aliciente de un reparto muy acertado en el que figuran Tracy Morgan, Jane Krakowski e incluso un Alec Baldwin demostrando que le encanta mostrar su faceta más desenfadada. Otro de los puntos fuertes de la serie han sido siempre los cameos, como por ejemplo los de Aaron Sorkin, Jerry Seinfeld, Steve Buscemi o Jon Hamm, o el hecho de que algunos episodios hayan sido grabado en directo ante público real.

Así que, ahora que la serie se ha cerrado definitivamente, es un buen momento para (re)descubrir Rockefeller Plaza como se merece: disfrutando de sus episodios uno detrás de otro.