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Con el fin de curso a la vuelta de la esquina, el Aula de Cinema de la Universitat de València tiene preparado para el mes de junio el último ciclo de la temporada, sin contar (claro está) con la ineludible cita veraniega de Nits de Cinema de la que hablaremos más adelante.

Este último ciclo del curso lleva por título Puzzle noir, y ocupará los miércoles del mes de junio en la facultad de Filología, Traducción y Comunicación. Este ciclo recopila algunos de los títulos más destacados del cine negro contemporáneo, con la particularidad de que todas las películas tienen una estructura narrativa no lineal, rompiendo las normas del relato clásico y ofreciendo un producto mucho más estimulante que el espectador debe reconstruir.

El primer film de este ciclo es Reservoir Dogs (1992), el debut en el largometraje de Quentin Tarantino, quizá el director que mejor responde a la etiqueta de postmoderno, entendiendo esto como una reformulación de la manera de hacer películas tomando como referencia el propio cine y el imaginario de la cultura popular. Conocido por sus continuas transformaciones e hibridaciones genéricas (desde el western hasta el bélico, pasando por la blaxploitation o el cine oriental de acción), en Reservoir Dogs Tarantino debutaba con una vuelta de tuerca al cine policíaco, en el que un grupo de atracadores debe escapar de la policía después de un asalto fallido a una joyería. En el film ya se aprecian algunos de los estilemas tarantinianos más reconocibles, como la descontextualización de la banda sonora, el gusto por los planos-secuencia o el inconfundible sello de la casa en los diálogos.

Reservoir Dogs se podrá ver el miércoles 5 de junio a las 18 horas en el Salón de Actos de la facultad de Filología, con entrada libre y gratuita, presentación y coloquio a cargo de los compañeros del Aula de Cinema UV. De este estreno y del resto del ciclo nos habló Xelo Agustín en nuestro programa 1x26.

De nuevo dedicamos una parte de nuestro programa 1x25 a repasar, de la mano de Xelo Agustín, la programación semanal del Aula de Cinema de la Universitat de València, en la que se cierran los dos ciclos que han protagonizado este mes de mayo.

En primer lugar, el miércoles 29 se proyecta en la facultad de Filología la película Brokeback Mountain (2005), última cita del ciclo Deconstruyendo el amor romántico, que ha ofrecido visiones diferentes de un tema tan manido en la historia del cine como son las relaciones amorosas. En este caso, el principal punto de divergencia respecto a lo habitual es que estamos ante una relación entre dos hombres, algo todavía inusual en el cine mainstream, siempre reacio a incomodar a ciertos grupos ideológicos. Sin embargo, Brokeback Mountain, basada en un relato de Annie Proulx, presenta sin ambages la relación duradera entre dos cowboys del medio oeste americano, que viven su amor en secreto al margen de sus respectivos matrimonios y en un contexto en el que la homosexualidad sigue siendo un tabú. El film recibió tres premios Oscar, el de mejor director para el taiwanés Ang Lee y también para la melancólica banda sonora a cargo de Gustavo Santaolalla y para el guión adaptado. Pero la cinta funciona sobretodo gracias a su pareja protagonista, dos de los actores de más talento de su generación como son Jake Gyllenhaal y el tristemente desaparecido Heath Ledger, que aportan la guinda a esta película tan contenida pero tan emocional a la vez.

El jueves 30 de mayo se acaba el ciclo El placer de fumar. Adicción y negocio, y con él la programación de este curso 2012-2013 en el Palau de Cerveró, que como siempre ha contado con la colaboración del IHMC López Piñero en estos ciclos de temática médica y científica. En la última sesión de la temporada se proyectará Gracias por fumar (2005), comedia con toques dramáticos protagonizada por un ejecutivo de la industria del tabaco (Aaron Eckhart) que defiende su consumo por encima de todo pero que al mismo tiempo debe ejercer de modelo para su hijo preadolescente. Dirige Jason Reitman, que debutaba como realizador con este film y que luego sería más conocido por films como Juno (2007), Up in the Air (2009) o Young Adult (2011).

Recordamos que todas la sesiones son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de los miembros del Aula de Cinema UV.

Como hacemos siempre, en nuestro programa 1x24 de Cine L'Atalante repasamos la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para la semana que acaba de empezar, con la colaboración de nuestra compañera Xelo Agustín.

En primer lugar, hay que detenerse en el Salón de Actos de la facultad de Filología, Traducción y Comunicación, donde el miércoles 22 de mayo se proyecta el film Jack Goes Boating (2010). Se trata de una película prácticamente desconocida en nuestro país (no llegó a estrenarse en salas), pero que resulta interesante al suponer el debut tras las cámaras del gran actor Philip Seymour Hoffman (Capote, The Master), que también ejerce como protagonista. Escrita por Robert Glaudini, a partir de su propia obra teatral, Jack Goes Boating explora el mundo de las relaciones de pareja y de amistad en la siempre compleja sociedad contemporánea, tema central del ciclo de este mes que recordemos se titula Deconstruyendo el amor romántico.

Al día siguiente, jueves 23 de mayo, en el Palau de Cerveró se podrá ver Smoking Room (2002), segundo título del ciclo sobre el tabaco que el Aula de Cinema UV proyecta en la sede del IHMC López Piñero. Smoking Room es un film español dirigido al alimón por el catalán Roger Gual y el argentino Julio D. Wallowits, y que disfrutó de cierto prestigio en su momento por lo estimulante y original de su puesta en escena. Rodada con cámara al hombro y buscando un efecto naturalista y claustrofóbico, la película narra la lucha de un trabajador (Eduard Fernández) por recoger firmas para conseguir que su empresa habilite una sala para fumadores dentro de la oficina, lo que provoca reacciones de todo tipo y deja patente lo inhumano y egoísta de las relaciones laborales. El reparto coral lo completan actores habituales como secundarios en el último cine español, como Chete Lera, Antonio Dechent, Francesc Garrido o Manuel Morón.

Todas las proyecciones son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita y presentación y coloquio a cargo de los compañeros del Aula de Cinema UV.

Xelo Agustín, en nuestro programa 1x23, volvió a traernos la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para la semana que está a punto de empezar. Vamos con ella:

Por orden cronológico, la primera cita es el lunes 13 de mayo en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau, donde se clausura el ciclo Sexo, drogas y Scorsese, que ha recorrido la filmografía en el ámbito del documental musical del director neoyorquino. El film que cierra este ciclo es Shine a Light (2008), película-concierto con The Rolling Stones como protagonistas. El film recorre la carrera del grupo británico desde su aparición en los años 60 hasta la actualidad, en la que se intercalan temas de sus conciertos pertenecientes a la gira A Bigger Bang. Por tanto, broche de oro para un ciclo que ha contado con las grandes estrellas de la música del siglo XX (Bob Dylan, The Beatles y The Rolling Stones) a través de la visión de uno de los más grandes directores de la historia del cine.

El miércoles 15 de mayo continúa, en la facultad de Filología, Traducción y Comunicación, la programación del ciclo Deconstruyendo el amor romántico, esta vez con la proyección de Two Lovers (2008). Nos encontramos ante la clásica situación del triángulo amoroso, con un protagonista (Joaquin Phoenix) a medio camino entre la chica que todos los padres querrían tener como nuera (Vinessa Shaw) y la atractiva aunque volátil e inestable nueva vecina (Gwyneth Paltrow). Sin embargo, el desarrollo de la trama no tiene nada de clásico ni de tópico, y es tratado con habilidad por el realizador James Gray, que firmaba con Two Lovers su cuarta película justo después de la muy reivindicable La noche es nuestra (2007), donde ya coincidió con Joaquin Phoenix. 

Finalmente, el jueves 16 de mayo empieza nuevo ciclo en el Palau de Cerveró, como siempre en colaboración con el IHMC López Piñero. El tema de este mes es el tabaco, visto desde el punto de vista del placer, la adicción y la industria que lo rodea. El film que abre el fuego es un clásico del cine indie como Smoke (1995), cinta coral situada en un estanco de Brooklyn por el que pulula una galería de personajes de lo más diverso entre los que destacan Harvey Keitel, William Hurt o Forest Whitaker entre otros. Dirigida por Wayne Wang y basada en la novela del exitoso escritor Paul Auster (que también figura como guionista y ejerce como codirector no acreditado), la cinta se exhibió con éxito en el Festival de Berlín de 1995.

Recordamos, como siempre, que todas las sesiones son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita, y presentación y coloquio a cargo de los compañeros del Aula de Cinema UV.

Con la llegada de un nuevo mes, el Aula de Cinema de la Universitat de València inicia una nueva programación tanto en la facultad de Filología como en el Palau de Cerveró. Eso sí, esta última no comenzará hasta el jueves 16 de mayo, por lo que ya hablaremos de ella en próximas entradas del blog y en próximos programas de Cine L'Atalante.

De momento nos quedamos con las películas de las que Xelo Agustín nos habló en nuestro programa 1x22. Empezamos por el ciclo Sexo, drogas y Scorsese, que continúa celebrándose en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau. El lunes 6 de mayo le toca el turno a George Harrison: Living in the Material World (2011), documental que el director neoyorquino dedica al guitarrista de The Beatles. El film no sólo sirve para adentrarse en profundidad en la personalidad del Beatle más desconocido e introspectivo (aunque de un talento equiparable a Lennon y McCartney), sino que también refleja el espíritu de una época en la que la música, y la cultura y la sociedad a través de ella, estaba sufriendo unos profundos cambios.

Por otro lado, el miércoles 8 de mayo da comienzo en Filología el ciclo Deconstruyendo el amor romántico, que pretende ofrecer visiones alternativas y diferentes a algo tan habitual y susceptible de caer en el tópico como es el romanticismo y las historias de amor. La primera película de este ciclo es (500) días juntos (2009), film de Marc Webb (director del último Spider-Man) que protagonizan Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel, y que retrata de forma atípica la típica historia de chico-conoce-chica y chico-pierde-chica.

Todas las proyecciones del Aula de Cinema de la UV son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita, y con presentación y coloquio a cargo de los miembros del Aula.

Como es habitual, en nuestro programa 1x21 Xelo Agustín se encargó de recordar la programación que el Aula de Cinema de la Universitat de València tiene preparada para la próxima semana. Al coincidir el miércoles con la festividad del primero de mayo, no habrá sesión en Filologia (recordamos que el ciclo sobre periodismo se cerraba el miércoles 24 de abril), pero sí habrá sesiones en La Nau y en el Palau de Cerveró.

Comenzamos recordando la actividad especial que habrá el próximo lunes 29 de abril en el Aula Magna del centre cultural La Nau, en el antiguo edificio de la universidad. Como parte del ciclo Sexo, drogas y Scorsese tendrá lugar una conferencia sobre la utilización de la música rock en los films de ficción de Martin Scorsese. Dicha conferencia correrá a cargo de Jordi Revert, crítico cinematográfico, editor de Labutaca.net y vicepresidente de la Asociación Cinefórum L'Atalante, y que además ejerce como nuestro crítico de cabecera en el programa de radio.

Por su parte, el jueves 2 de mayo se cierra en el Palau de Cerveró el ciclo Psicoanálisis en el diván, con la proyección de La habitación del hijo (La stanza del figlio, 2001). Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes, este drama dirigido, escrito y protagonizado por Nanni Moretti (Caro diario, Habemus Papam) reflexiona sobre la pérdida y sobre cómo se puede seguir adelante después de sufrir un golpe tan terrible como es la muerte de un hijo.

Como siempre, recordamos que todas las sesiones son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita, y presentación y coloquio a cargo de nuestros compañeros del Aula de Cinema UV.

En nuestro programa 1x20 volvimos a contar con Xelo Agustín para hablarnos de las películas que el Aula de Cinema de la Universitat de València tiene preparadas para la próxima semana, dentro de los ciclos sobre periodismo y sobre psicoanálisis, y también para inaugurar un nuevo ciclo que tiene a la música rock y a Martin Scorsese como protagonistas.

Por orden cronológico, la primera cita es el lunes 22 en el Aula Magna del centre cultural La Nau, donde se proyectará No Direction Home (2005). Esta película abre el ciclo titulado Sexo, drogas y Scorsese, en el que se repasa la filmografía del director neoyorquino relacionada con el mundo de la música rock desde la perspectiva del documental y del uso de la música en sus films de ficción. No Direction Home repasa los primeros años (1961-1966) de la carrera de Bob Dylan, uno de los músicos más importantes e influyentes de la segunda mitad del siglo XX. El documental repasa desde sus primeros pasos en la escena musical hasta que se convirtió, a su pesar, en el abanderado de la música folk y de la lucha por los derechos civiles en una época especialmente convulsa, y cómo el propio Dylan intenta huir de esa situación cambiando por completo su sonido y provocando la división de opiniones entre sus amigos y seguidores.

El miércoles 24 se cierra en la facultad de Filología el ciclo El cuarto poder, que durante el mes de abril ha hecho un recorrido por las relaciones entre el cine y el periodismo. La película encargada de clausurar el ciclo es Buenas noches, y buena suerte. (2005), segundo film como director de George Clooney, que nos traslada a principios de los años 50 y al contexto de la Caza de Brujas llevada a cabo por el senador Joseph McCarthy, obsesionado por purgar la sociedad estadounidense de influencias filocomunistas. En este escenario, el periodista televisivo Edward R. Murrow (David Strathairn) y su compañero Fred Friendly (el propio Clooney) intentan mantenerse firmes en sus convicciones y reivindicar la ética periodística por encima de injerencias políticas, aunque ello conlleve dificultades para mantener el puesto de trabajo. La cinta, rodada en un elegante blanco y negro y recreando a la perfección el ambiente de la época, fue muy aplaudida en su momento, y optó a seis Oscars en 2006.

Finalmente, el jueves 25 continúa el ciclo Psicoanálisis en el diván en el Palau de Cerveró, en colaboración con el IHMC López Piñero. La película que se proyectará es Te doy mi alma (Roberto Faenza, 2002), un film que retrata la relación entre Carl Gustav Jung (Iain Glen) y su pupila y después amante Sabina Spielrein (Emilia Fox), una de las primeras mujeres psicoanalistas. Hace un par de años, David Cronenberg recuperó la relación entre Jung y Spielrein (Michael Fassbender y Keira Knightley) en Un método peligroso (2011), introduciendo además la figura de Sigmund Freud (Viggo Mortensen) como tercer vértice del triángulo.

Todas las proyecciones son a las 18 horas, con entrada libre y gratuita. Presentación y coloquio a cargo de nuestros compañeros del Aula de Cinema UV.

Siguiendo con el repaso semanal que hacemos en nuestro programa de la programación del Aula de Cinema UV, y como siempre con la colaboración inestimable de nuestra compañera Xelo Agustín, vamos a echar un vistazo a las películas que se podrán ver próximamente en Filología y en el Palau de Cerveró. De todas ellas hablamos en nuestro programa 1x19.

El miércoles 17 de abril se proyecta en el salón de actos de la facultad de Filología la película Territorio comanche (Gerardo Herrero, 1997), segundo título del ciclo El cuarto poder, que pone en relación el cine con la profesión periodística. En este caso, el tema que se aborda es la ética de los periodistas que cubren zonas en estado de guerra, como es el caso del conflicto yugoslavo de principios de la década de 1990, época en la que se ambienta el film. 

La película, basada en la novela escrita por Arturo Pérez-Reverte (inspirada en su propia experiencia como corresponsal de guerra) está dirigida por Gerardo Herrero, uno de los productores más prolíficos de la industria del cine español de las últimas décadas, y que como director cuenta en su currículum con títulos como El principio de Arquímedes (2004), Malena es un nombre de tango (1996) o la más reciente Silencio en la nieve (2011). En cuanto al reparto, destacan dos nombres importantes como los de Imanol Arias y Carmelo Gómez. Finalmente, añadir que Territorio comanche participó en la sección oficial del Festival de Berlín en 1997 y optó a dos premios Goya al año siguiente.

Por su parte, el jueves 18 de abril continúa el ciclo sobre Psicoanálisis: en el diván que se celebra en el Palau de Cerveró, en colaboración con el IHMC López Piñero. La película que se proyecta en este caso es Misterios de un alma (G.W. Pabst, 1926), que tiene como principal aliciente ser el primer largometraje que aborda el tema del psicoanálisis y el inconsciente fuera del ámbito de las vanguardias surrealistas que popularizarían André Breton o el primer Luis Buñuel, entre otros. Además, el film se enmarca dentro del período del cine alemán de entreguerras, una época especialmente prolífica en cuanto a talento fílmico (Murnau, Wiene, Lang) y que tiene en el expresionismo y su exploración de lo más oculto de la mente su principal seña de identidad. Pabst fue además un cineasta muy preocupado por mostrar lo que queda escondido en nuestro inconsciente, creando películas tan sugerentes como La caja de Pandora (1929), Tres páginas de un diario (1929) o Carbón (1931).

Todas las sesiones son a las 18 horas con entrada libre y gratuita, y con aforo limitado. Están acompañadas también de presentación y coloquio a cargo de los miembros del Aula de Cinema UV.

Como siempre, una de las secciones de nuestro programa está dedicada a repasar la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para las proyecciones en la Facultad de Filología y en el Palau de Cerveró. Nuevamente Xelo Agustín es la encargada de conducirnos por este recorrido en nuestro programa 1x18.

En esta ocasión, recordamos los films que cierran los ciclos del mes de marzo y los que inauguran el mes de abril, ya que la semana que viene no tendremos programa por las vacaciones de Pascua. Así, antes de la Semana Santa se clausuran los ciclos sobre Mujeres y Política y Aborto: un derecho cuestionado, y en la segunda semana de abril dará comienzo la nueva programación.

La última película del ciclo sobre el aborto en el Palau de Cerveró cambia su día habitual. No es el jueves  28 (que coincide con Jueves Santo) sino el martes 27 cuando se puede ver Lago de fuego (Tony Kaye, 2006). Estamos ante un film documental que retrata la problemática del aborto desde todos los puntos de vista, tanto de los que están en contra de esta práctica como de los que defienden el derecho a decidir, contando con testimonios de madres, médicos y todos los implicados en el asunto. Para completar esta película, Tony Kaye dedicó más de quince años (empezó a rodarla en 1990), y mientras tanto realizó su largometraje más conocido, American History X (1998), un relato crudo sobre el fanatismo y la violencia.

El miércoles 27 se proyecta en Filología la película Clara Campoamor, la mujer olvidada (Laura Mañá, 2011), un film para TV que protagoniza Elvira Mínguez. La película se sitúa en la época de la II República, en la que Campoamor y otras políticas como Victoria Kent luchan por conseguir el derecho a voto de las mujeres. De esta manera se cierra el ciclo sobre Mujeres y política que ha conmemorado el Mes de la Mujer y en el que como siempre el Aula de Cinema ha participado con una programación específica sobre temas feministas.

Después de Pascuas empiezan dos nuevos ciclos. En Filología da comienzo el titulado El cuarto poder, que se centra en el mundo del periodismo y la relación de éste con la información, la verdad y el servicio público. La película que inaugura la programación (miércoles 10 de abril) es todo un clásico del género como El gran carnaval (Billy Wilder, 1951), uno de los acercamientos más crudos al sensacionalismo periodístico. En el film, un reportero venido a menos (Kirk Douglas) intenta recuperar su prestigio aprovechándose de una trágica historia en un pequeño pueblo minero, en la que es una de las obras más infravaloradas de un Billy Wilder que venía de rodar la magistral El crepúsculo de los dioses (1950).

Y finalmente, el ciclo de abril en el Palau de Cerveró (como siempre, en colaboración con el Instituto de Historia de la Medicina y la Ciencia López Piñero) tendrá como tema principal el Psicoanálisis, empezando  (el jueves 11 de abril) por el film Freud, pasión secreta (John Huston, 1962). En esta película se aborda la figura de Sigmund Freud (Montgomery Clift), padre fundador de esta disciplina basada en la interpretación del subconsciente como generador de comportamientos, filias y fobias, y todo de la mano de uno de los mejores directores de la historia del cine.

Recordamos también que las sesiones son a las 18 horas con entrada libre y gratuita, y con presentación y coloquio a cargo de nuestros compañeros del Aula de Cinema UV.

Empezamos recordando a nuestros lectores y oyentes del programa de radio que el próximo martes 19 de marzo no habrá Cine L'Atalante por ser festivo en la ciudad de Valencia. Por este motivo, en nuestro programa 1x17 adelantamos, con Xelo Agustín, la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para las próximas semanas.

Como comentábamos la semana pasada, en marzo celebramos el mes de la mujer, por lo que continúa nuestro ciclo titulado Mujeres y política en la facultad de Filología. El miércoles 13 de marzo se podrá ver Rosa Luxemburgo (Margherite von Trotta, 1986), que nos acerca a la historia de uno de los personajes clave en la política de principios del siglo XX. Activista comprometida con los ideales marxistas y con la lucha por los derechos sociales, esta alemana de origen polaco fue una de las fundadoras del movimiento espartaquista, que posteriormente derivaría en el Partido Comunista Alemán. Rosa Luxemburgo fue detenida, encarcelada y ejecutada en enero de 1919 junto a su compañero Karl Liebknecht después de la fallida Revolución de Noviembre, pero la figura de ambos sigue siendo venerada hoy en día como símbolo de la lucha contra el imperialismo. La película está protagonizada por Barbara Sukowa (premiada en Cannes como mejor intérprete) y filmada por Margherite von Trotta, una de las realizadoras más comprometidas con el feminismo y perteneciente además al movimiento del Nuevo Cine Alemán de los años 70, en el que destacaron figuras como Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Wim Wenders o Volker Schlöndorff, marido además de von Trotta.

Y para la semana siguiente, el miércoles 20 de marzo, la película elegida es Norma Rae (Martin Ritt, 1979). Este film está basado en la historia real de Crystal Lee Sutton, una humilde trabajadora de una fábrica textil de Carolina del Norte que inicia el camino hacia la unión sindical de los operarios para combatir unas condiciones laborales inhumanas. La película le valió además el Oscar como Mejor Actriz Principal a Sally Field, nominada este año como secundaria por Lincoln.

Por su parte, en el Palau de Cerveró continúa el ciclo Aborto: un derecho cuestionado. El jueves 14 tendremos una sección doble en la que se proyectarán El grito silencioso (1984) y Decálogo nº2: no tomarás el nombre de Dios en vano (1989). La primera es un documental en el que el doctor Bernard Nathanson (uno de los más destacados abortistas en la década de los 60 y 70 pero que luego se erigió en figura clave de la lucha contra esta práctica) narra el proceso de interrupción de un embarazo de 14 semanas, que se muestra en directo a través de una ecografía, con la tesis de que el feto sufre y padece dolores e incluso hasta parece gritar. Un film muy polémico que se convirtió en bandera del movimiento provida y de los sectores más conservadores pero que la comunidad médica en general considera sensacionalista, alarmista, manipulador e inexacto. 

En cuanto a la otra película, forma parte del Decálogo que el director polaco Krzysztof Kieslowski filmó para la televisión de su país a finales de los 80, diez films inspirados en los pecados capitales. En este caso, narra la historia de una mujer cuyo marido tiene una enfermedad terminal y que está embarazada de otro hombre, produciendo el debate sobre si debe tener o no ese hijo.

La próxima semana, concretamente el jueves 21 de marzo, se proyectará Citizen Ruth (1996), el debut como director de Alexander Payne, director de Entre copas (2004) o la reciente y exitosa Los descendientes (2011). Citizen Ruth está protagonizada por una mujer (Laura Dern) alcohólica, drogadicta y que ha perdido la custodia de sus hijos. Cuando queda nuevamente embarazada, se ve inmersa en una confrontación entre partidarios y detractores del aborto que intentan unirla a su causa.

Como siempre, las proyecciones son a las 18 horas en versión original subtitulada, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de nuestros compañeros del Aula de Cinema UV.

Con la llegada del mes de marzo llega también la nueva programación del Aula de Cinema de la Universitat de València, que recordamos que proyecta sus ciclos los miércoles en la facultad de Filología, Traducción y Comunicación y los jueves en el Palau de Cerveró (en colaboración con el IHMC López Piñero), a las 18 horas, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de alguno de los miembros del Aula.

En Filología, con motivo del mes de la mujer y aprovechando la celebración del Día Internacional de la Mujer Trabajadora (el 8 de marzo), proyectaremos el ciclo Mujeres y política. Un ciclo que pretende ofrecer una visión global y variada sobre cómo el cine ha retratado a todas esas mujeres que desde el ámbito de la política y la participación pública han intentado mejorar los derechos de su género en un mundo siempre dominado por hombres, en el que la lucha femenina se ha encontrado con más dificultades si cabe.

La primera película del ciclo, proyectada el miércoles 6 de marzo, es Amor en llamas (Kenji Mizoguchi, 1949). Un film que nos sitúa en el Japón de la era Meiji (finales del siglo XIX), una época en la que el país nipón empezaba a mostrar signos de apertura y equiparación política y cultural al resto de potencias occidentales, una transición muy compleja en un país gobernado por un sistema feudal hasta bien entrado el siglo XIX. Y todavía más complicada desde el punto de vista de una mujer, una chica de pueblo engatusada por las proclamas de progreso e igualdad del Partido Liberal que decide ir a la ciudad para llevar a cabo su lucha por el reconocimiento de la dignidad y los derechos de las mujeres. Con esta película, Mizoguchi vuelve a demostrar su sensibilidad y compromiso con las ideas progresistas y con las cuestiones de género, algo muy presente en una filmografía que incluye obras maestras como Cuentos de la luna pálida (1953) o El intendente Sansho (1954).

En cuanto a la programación del Cerveró, ésta girará en el mes de marzo en torno a un tema tan espinoso como el aborto, bajo el lema Aborto, un derecho cuestionado. El ciclo da comienzo el 5 de marzo con la proyección de Asunto de mujeres (Claude Chabrol, 1988), una película que narra la historia de una mujer cuya familia está necesitada de dinero (el marido ha llegado herido del frente de la II Guerra Mundial) y que se ve abocada a practicar abortos clandestinos en un momento en el que eso estaba completamente prohibido y perseguido. Protagonizada por Isabelle Huppert y François Cluzet, Asunto de mujeres es obra de un director tan irregular como Claude Chabrol, nacido cinematográficamente en el seno de la nouvelle vague pero cuya carrera ha ido por derroteros dispares.

En nuestro programa 1x16 podemos escuchar a nuestros compañeros Héctor Gómez y Elisa Hernández hablando de estas dos películas que inician la programación del Aula de Cinema UV de este mes de marzo.

Esta semana concluye el ciclo La comedia absurda, que el Aula de Cinema UV ha estado ofreciendo todos los miércoles de febrero en la facultad de Filología, Traducción y Comunicación. Después de Sopa de ganso (1933), Aterriza como puedas (1980) y El sentido de la vida (1983) es el turno de Amanece, que no es poco (1988), el mejor exponente de humor absurdo de este lado de los Pirineos.

Con Amanece, que no es poco se alcanza el punto culminante del subgénero de la comedia surrealista española, un paso más en el camino trazado por la pareja Berlanga-Azcona en los años 60 y 70, y que José Luis Cuerda (Albacete, 1947) convierte en una síntesis total de lo mejor del género del humor patrio. Con influencias de la comedia costumbrista, la astracanada, el vodevil, el surrealismo y la escatología, Amanece, que no es poco es una sucesión de situaciones hilarantes en las que el absurdo y el sinsentido son los grandes protagonistas.

Es un film además que no deja títere con cabeza, haciendo humor de lo humano y lo divino, y reflejando además todos los estereotipos de la vida rural de la España profunda. No faltan el cura, la guardia civil, el ejército, el maestro de escuela, el alcalde, etc. Todos ellos ejemplos de esa España de charanga y pandereta a los que José Luis Cuerda ridiculiza por igual. En la película, formada por un reparto coral, podemos encontrar nombres como Antonio Resines, Luis Ciges, José Sazatornil, Manuel Alexandre, Enrique San Francisco o Gabino Diego, entre muchos otros.

En nuestro programa 1x15, nuestra compañera del Aula de Cinema UV Olga García invita a nuestros oyentes a acercarse este miércoles 27 de febrero a las 18 horas al salón de actos de la facultad de Filología para disfrutar de esta divertidísima comedia que pone el broche de oro a un ciclo en el que el humor más irreverente ha sido el hilo conductor de nuestra programación.

En este recién estrenado mes de febrero, el Aula de Cinema de la Universitat de València dedica su programación en la facultad de Filología a la Comedia absurda. Con esto se pretende hacer un repaso por el género, necesariamente incompleto debido a la restricción de tiempo, pero que intenta ofrecer una visión lo más amplia posible -en cuanto a épocas y lugares- de cómo el cine se ha puesto al servicio de la risa del espectador. Desde el humor surrealista made in Britain de los Monty Phyton (El sentido de la vida, 1983) a la visión más absurda y cañí de Amanece, que no es poco (José Luis Cuerda, 1989), pasando por el interminable desfile de gags de la spoof movie por excelencia, Aterriza como puedas (1980).

Pero antes de eso, el ciclo da comienzo con Sopa de ganso (Leo McCarey, 1933), que se proyectó el miércoles 6 de febrero en Filología. El film fue el último de los hermanos Marx con Paramount, antes de su flamante fichaje por Metro-Goldwyn-Mayer en la célebre Una noche en la ópera (1935). Los Marx ya habían realizado antes de Sopa de ganso algunas películas muy destacables, como Los cuatro cocos (1929), Pistoleros de agua dulce (1931) o Plumas de caballo (1932).

Con Sopa de ganso, los Marx llevan el conflicto político y diplomático entre dos potencias imaginarias (Freedonia y Sylvania, esta última un trasunto de la Italia de Mussolini) a su terreno de anarquía, caos y juegos verbales. Groucho Marx da vida a Rufus T. Firefly, el nuevo gobernante de Freedonia, y sus hermanos Harpo y Chico son dos espías de Sylvania encargados de buscar información para desestabilizarle. Lejos, sin embargo, de una trama sólida, el film se articula a través de los gags físicos y verbales de los hermanos, donde se combina la nostalgia por el slapstick (inolvidables las secuencias de los sombreros y la del falso espejo) y la verborrea sarcástica y ácida de un Groucho en estado de gracia.

Guillermo Rodríguez, encargado de presentar la película y moderar el coloquio posterior, nos habló de Sopa de ganso en nuestro programa 1x12. Recordamos también, como siempre, que las sesiones del Aula de Cinema son a las 18 horas, y totalmente libres y gratuitas.

En el programa 1x11 de Cine L'Atalante tuvimos en el estudio a nuestros compañeros Miquel Tello y Paula de Felipe, que vinieron a hablarnos de las películas que el Aula de Cinema de la UV proyecta esta semana.

El miércoles 31 de enero, en el salón de actos de la facultad de Filología de Valencia, se clausura el ciclo de Óperas primas de grandes directores, con el pase de El jardín de la alegría (The Pleasure Garden, 1925). Este film supone el debut tras las cámaras de uno de los más grandes realizadores de la historia del cine, como es el londinense Alfred Hitchcock. El jardín de la alegría tiene algunos aspectos destacables, pero no deja de ser una película de encargo que sirvió principalmente para que Hitchcock se introdujera en la industria del cine. Supone además una buena oportunidad para acercarse a la bastante desconocida etapa británica del director -auspiciada por el productor Michael Balcon-, que contiene títulos tan interesantes como El enemigo de las rubias (1927) o La muchacha de Londres (1929), todavía enmarcadas dentro del cine silente, y las posteriores El hombre que sabía demasiado (1934) o 39 escalones (1935). A partir de 1940, Hitchcock se trasladaría a Hollywood, donde pudo difundir para un público masivo sus historias de suspense e intriga con obras maestras como Encadenados (1946), La ventana indiscreta (1954), Vertigo (1958) o Psicosis (1960).

Por otro lado, el jueves 31 de enero, el Palau de Cerveró (plaza Cisneros, 4) acoge la segunda sesión del ciclo Infancia, salud y enfermedad, en colaboración con el IHMC López Piñero. Este ciclo pretende ser un acercamiento a los problemas relacionados con la infancia, problemas que suponen una de las principales lacras de la sociedad contemporánea. En este caso, la película escogida es Maroa (2006), centrada en la complicada realidad de la pobreza y la exclusión en Venezuela. La protagonista del film es una niña de once años  (Yorlis Domínguez) que vive en un suburbio de Caracas, rodeada de miseria y violencia, y donde la música puede suponer la única tabla de salvación en su vida. El film está dirigido por Solveig Hoogesteijn, veterana realizadora de origen sueco cuyo cine siempre se ha movido por su vertiente más social y reivindicativa.

Recordamos una vez más que todas las sesiones del Aula de Cinema UV son a las 18 horas, con entrada totalmente libre y gratuita. Las películas están precedidas de una presentación a cargo de nuestros compañeros y siempre se produce un interesante coloquio al acabar la proyección. Allí os esperamos.

El Aula de Cinema UV tiene preparado para este mes de enero un ciclo muy especial. Ya que se trata del primer mes del año, hemos optado por programar las primeras películas de algunos de los mejores directores de la historia del cine. Hemos procurado que el recorrido sea variado cronológica, geográfica y estilísticamente, para ofrecer una visión lo más completa posible de lo que puede suponer una ópera prima.

En la primera sesión, el 9 de enero, proyectamos El diablo sobre ruedas (Duel, 1971), la primera película de Steven Spielberg, que por aquel entonces era un completo desconocido pero que después filmaría alguno de los films más icónicos de los 70, 80 y 90, como Tiburón (1975), Encuentros en la tercera fase (1977), E.T. el extraterrestre (1982), La lista de Schindler (1993), Parque jurásico (1993) o la saga de Indiana Jones.

Para la segunda sesión, que tuvo lugar el miércoles 16 de enero, el director elegido fue el sueco Ingmar Bergman y su debut tras las cámaras, Crisis (Kris, 1946). Procedente del mundo del teatro, es muy evidente en el primer Bergman su planificación teatral en cuanto a decorados e interpretaciones, pero ya desde esos primeros films empiezan a apuntarse las obsesiones que se repetirán a lo largo de toda su filmografía: la falsedad e hipocresía de las relaciones entre la burguesía acomodada, las relaciones turbulentas de padres e hijos o los tabúes morales. Un poco más tarde llegaría el existencialismo y la búsqueda de Dios, reflejado en películas imprescindibles como El séptimo sello (1957), Como en un espejo (1961), Los comulgantes (1963) o su experimental y críptica Persona (1966).

De todo ello hablaron Nacho y Héctor en el programa 1x10 de Cine L'Atalante, en el que además recordaron las películas que completarán el ciclo y que serán La cosecha estéril (Bernardo Bertolucci, 1962) y El jardín de la alegría (Alfred Hitchcock, 1925), dos óperas primas de dos directores europeos muy diferentes entre sí pero que pueden resultar altamente estimulantes.

La semana pasada ya os contamos que el Aula de Cinema de la UV dedica su programación de diciembre en la facultad de Filología al Nuevo cine español de los años 60 a través de la proyección de tres títulos clave como Del rosa al amarillo (Manuel Summers, 1963), La caza (Carlos Saura, 1965) o la película de la que hablaremos brevemente a continuación, Nueve cartas a Berta (Basilio Martín Patino, 1965).

Paula de Felipe, miembro del Aula de Cinema y también coordinadora de este ciclo, estuvo con nosotros en la radio en el programa 1x07 de Cine L'Atalante. Nos contó cosas interesantes sobre esta película, que se proyectó el martes 11 de diciembre y que contó con la presentación especial de Áurea Ortiz, profesora de Historia del cine en la Universitat de València y una de las mayores conocedoras del cine español. Nueve cartas a Berta es un buen ejemplo de este intento de modernizar el anquilosado modelo del cine español de mediados de la década de 1960, ya que presenta aspectos novedosos y vanguardistas tanto en el lenguaje fílmico utilizado (montaje, ralentizaciones, voz en off) como en la temática y el argumento.

La película está estructurada en nueve partes, cada una correspondiente a las cartas que el protagonista (interpretado por Emilio Gutiérrez Caba) escribe a su amada Berta, una chica que conoció durante una estancia en Londres. A su regreso a España, el personaje principal le narra a Berta cómo se siente de nuevo en su país natal, contraponiendo las realidades diametralmente opuestas que existían entre la Inglaterra del swinging London y la España conservadora y ensimismada de la época.

Basilio Martín Patino fue, y sigue siendo, uno de los directores más personales y comprometidos de nuestra historia, aunque Nueve cartas a Berta es de alguna manera una rara avis dentro de su filmografía. Esta cinta es una de sus pocas incursiones en el mundo de la ficción, ya que Patino es más conocido por su aportación al género documental, como en el caso de Canciones para después de una guerra (1976), Queridísimos verdugos (1977) o la muy reciente Libre te quiero (2012), en la que ofrece su particular visión sobre el movimiento ciudadano de los indignados y el 15-M. En cualquier caso, Nueve cartas a Berta sigue siendo una película diferente, tanto para su tiempo como para el momento actual, y una buena manera de acercarse a un modo diferente de hacer cine en nuestro país.

El Palau de Cerveró finalizó su programación cinematográfica del año 2012 con la sesión que cerraba el ciclo Observando el Universo, el pasado jueves 13 de diciembre. Una sesión muy especial, ya que constaba de una programación doble con nuestro satélite como hilo conductor, con la proyección de La luna en directo (2000) y Viaje a la Luna (1902), dos películas separadas por casi un siglo de distancia.

Poco se puede contar del cortometraje de Georges Méliès que no se haya dicho ya en los múltiples estudios que existen sobre la película y sobre la filmografía del propio Méliès. No en vano, la imagen del cohete estrellándose contra el ojo de una Luna con rasgos humanos es una de las más icónicas de la historia del cine, pero sólo uno más de los incontables trucos visuales que utilizó el director francés. Mago de profesión y cineasta casi por curiosidad, Méliès empleó el por entonces recién nacido cinematógrafo como uno más de los elementos a emplear en su espectáculo de magia. Para él, en el cine lo más importante no era la historia que se contaba, sino la manera en que esa historia se plasmaba en la pantalla, una manera de concebir las películas que de alguna manera se ha conservado desde entonces y que convierte a Méliès en uno de los nombres imprescindibles de los orígenes del cine.

Inspirada muy libremente en la novela De la Tierra a la Luna (1865) de Jules Verne, Viaje a la Luna utiliza la base literaria como simple pretexto para narrar una historia de aventuras sobre los primeros terrícolas en pisar el satélite y sobre las increíbles criaturas que allí se encuentran, una excusa perfecta para utilizar todo tipo de trucajes cinematográficos que aún hoy (más de un siglo después de su estreno y estando como estamos acostumbrados a todo tipo de alardes visuales) siguen resultando fascinantes.

Por su parte, el largometraje La luna en directo (The Dish, 2000) es una producción australiana dirigida por Rob Sitch, y que ficciona los hechos reales ocurridos durante el mes de julio de 1969. En aquél momento, la misión americana del Apolo XI ponía por primera vez al ser humano en la Luna, y fue una enorme antena de telecomunicaciones australiana la encargada de recibir y transmitir la señal de Neil Armstrong y compañía a todo el mundo. La película (protagonizada por Sam Neill, uno de los actores australianos más reconocidos y recordado sobretodo por Parque Jurásico o El piano, ambas de 1993) narra esos importantes momentos en un tono ligero y de comedia bienintencionada, que sobretodo funciona en la contraposición entre el carácter recto y severo del representante de la NASA y el dibujo de los habitantes de ese pequeño pueblo en medio de la inmensidad de Australia que ha sido depositario de tan elevada misión. Además, el film intenta poner de manifiesto la relevancia que ese hecho histórico tuvo en su época, quizá el momento que congregó a más gente de todo el mundo ante la pantalla de un televisor.

En el programa 1x07 de Cine L'Atalante contamos con la presencia de Elisa Hernández, quien nos habló de esta doble sesión tan especial con la que el Aula de Cinema de la UV pone punto y final hasta 2013 a la programación cinematográfica en el Palau de Cerveró.

Con la llegada del mes de diciembre, el Aula de Cinema de la UV propone para cerrar este año 2012 un acercamiento al Nuevo Cine español de la década de 1960. Como es sabido, los sesenta suponen un punto de inflexión en la historia del cine a nivel global, pues podrían considerarse la bisagra entre el clasicismo y la modernidad. Si tomamos como ejemplo Hollywood (queramos o no, la vara de medir desde la que se configuran el resto de historiografías locales), los 60 certifican la muerte de la dorada época clásica y la aparición de una nueva forma de hacer cine, menos ligada al tradicional sistema de producción de los grandes estudios y más centrada en la figura del director, apareciendo nombres como Coppola, Scorsese, Cassavettes, Bogdanovich, Kubrick, Allen, etc., todos ellos abanderados de lo que se conoce como el nuevo Hollywood y que se convierte en la nueva referencia a la hora de entender el cine americano.

Pero no sólo en EE.UU. se produjo ese tránsito entre lo clásico y lo moderno. La vieja Europa también tuvo su particular metamorfosis. El free cinema británico, la nueva generación de realizadores italianos alejados del neorrealismo (Fellini, Pasolini, Antonioni), el nuevo cine alemán (Schlondorff, Herzog, Fassbinder, Wenders) o, por encima de todos por mitología y cantidad de estudios a su servicio, la nouvelle vague francesa, suponen pequeñas revoluciones contra el orden fílmico establecido y que, cada una a su manera y unas con más éxito que otras, marcan un camino de no retorno en nuestra concepción de las películas.

A su modo, y con todas las limitaciones imaginables derivadas de una época tan complicada, España tuvo también su primer intento de subirse al carro de la modernidad. Las Conversaciones de Salamanca de 1955 y la creación en 1962 de la Escuela Oficial de Cine contribuyeron a formar un caldo de cultivo en el que se formarían directores como Mario Camus, Miguel Picazo, Carlos Saura o Basilio Martín Patino, estos dos últimos presentes en el ciclo que el Aula de Cinema proyecta en diciembre. La idea era desterrar definitivamente ese cine franquista anodino que perpetra la imagen de la España de charanga y pandereta, y empezar a concebir el cine como expresión artística, en consonancia con lo que estaban haciendo los vecinos europeos. Por desgracia, el experimento no tuvo el éxito deseable, y la modernidad española duró poco, arrastrada por el cine de destape, suecas y bañadores turbo derivado del aperturismo económico mal entendido. Después de eso llegó la transición, la democracia y la sumisión casi absoluta a los modelos económicos y estilísticos del cine americano, propagándose además ese complejo de inferioridad endémico al cine español y que se extiende a toda la industria y al público, y que impide a nuestro cine avanzar en una dirección firme y concreta.

Pero volviendo a nuestro ciclo, en el programa Cine L'Atalante 1x06 charlamos con Belén Martínez de Del rosa al amarillo (1963), la película que abre este recorrido por la modernidad española de los 60. Dirigida por Manuel Summers (quizá el menos autor de los directores que conforman el ciclo), la película es un buen ejemplo de esa intención de superar los clichés del cine anterior. Para empezar, el film es una película romántica sin demasiada filigrana, pero con la importante peculiaridad de que se centra en el amor en dos épocas casi inexploradas por el cine, como son la infancia y la vejez. La parte del rosa es la historia de amor de dos niños preadolescentes separados durante el verano, y la parte del amarillo es la de dos ancianos enamorados que viven su romance furtivo entre las paredes de un asilo. Es decir, una visión romántica alejada de los cánones tradicionales, un hecho que por sí solo invita a ver la película.

El film, como decimos, abre el ciclo Nuevo Cine español: la modernidad de los años 60, y se pudo ver el miércoles 5 de diciembre a las 18 horas en la facultad de Filología, Traducción y Comunicación, con la presentación de la propia Belén Martínez y Paula De Felipe. El ciclo lo completan Nueve cartas a Berta (Basilio Martín Patino, 1965), el martes 11 de diciembre, y La caza (Carlos Saura, 1965), el miércoles 19. Por supuesto, tanto en la radio como en los demás medios del Aula de Cinema informaremos puntualmente de todas las actividades.

 Entre finales de noviembre y principios de diciembre el Aula de Cinema UV proyecta, en colaboración con el IHMC López Piñero, el ciclo Observando el universo. Como siempre, las colaboraciones entre el instituto y el Aula de Cinema se reflejan en ciclos de cine de tema médico o científico, con el doble objetivo de analizar las películas tanto por su vertiente fílmica como desde el punto de vista de su temática, que guarda relación con asuntos referentes a la ciencia.

En Observando el universo encontramos un acercamiento al análisis del cosmos desde una perspectiva amplia, no sólo centrada en la astronomía sino también en la observación del universo en su conjunto, desde lo más inabarcable a lo más pequeño, desde lo palpable a lo teórico. El ciclo se inició con Cartesius (Roberto Rossellini, 1974), uno de los films que el célebre director italiano dedicó, hacia el final de su carrera, a la divulgación de la historia y la ciencia. En esta ocasión, el protagonismo recae sobre el filósofo francés René Descartes, uno de los principales impulsores del método científico y de algún modo padre fundador de la ciencia y la filosofía modernas.

La siguiente sesión, de la que Priscila Del Águila nos habla en Cine L'Atalante 1x05, está dedicada a la película Einstein y Eddington (Einstein & Eddington, 2008). Saltamos ahora a principios del siglo XX, otro momento clave en la historia de la ciencia y la física, ya que es la época en la que tiene lugar la aparición de las teorías cuánticas y especialmente la teoría de la relatividad, con la que Albert Einstein reformuló por completo la visión de nuestro universo.

En el film, un producto para televisión (producido ex aequo por la americana HBO y la británica BBC) filmado por Philip Martin, se aborda la relación entre Einstein (Andy Serkis) y Arthur Eddington (David Tennant), un renombrado físico que es de los primeros en aceptar la revolucionaria teoría de Einstein. La película ofrece un acercamiento a las discusiones científicas del momento, pero también una visión íntima y personal de la relación entre los dos protagonistas en su marco histórico, en plena I Guerra Mundial. Otro de los alicientes de la cinta es la presencia de dos actores conocidos, uno de la pequeña pantalla como David Tennant (protagonista de la serie Doctor Who) y otro, Andy Serkis, cuyo rostro quizá es menos identificable pero que ha entrado en la historia del cine gracias a un personaje tan imprescindible y carismático como el Gollum de la trilogía de El señor de los anillos.

Einstein y Eddington se proyecta el jueves 29 de noviembre a las 18 horas en el Palau de Cerveró (plaza Cisneros, 4), sede del IHMC López Piñero. Entrada libre, gratuita y con presentación y coloquio. Y, por supuesto, seguiremos hablando del ciclo Observando el universo.

Esta semana se cierra el ciclo El western hacia el crepúsculo, que el Aula de Cinema de la UV ha proyectado todos los miércoles del mes de noviembre. La película encargada de clausurar el ciclo es Monte Walsh (Monty Walsh, 1970), un título bastante desconocido (como la mayoría de films que el Aula de Cinema ha escogido) pero que atesora las características fundamentales de lo que podemos entender como western crepuscular: presencia de unos personajes desubicados y casi anacrónicos, replanteamiento del concepto de bien y mal, reformulación de la figura del héroe y, en definitiva, la sensación de estar ante los últimos coletazos de una época que toca a su fin y sobre la que ya sólo cabe una mirada nostálgica.

El film está dirigido por William A. Fraker, un prestigioso director de fotografía que había filmado, entre otros, clásicos como La semilla del diablo (1968), Bullit (1968) o La leyenda de la ciudad sin nombre (1969), y que volvería a sus quehaceres habituales para firmar la fotografía de la spilbergiana 1941 (1979), Juegos de guerra (1983) o el western Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp (1993). Pero entre medias, Fraker dirigió tres películas, la primera (y la de mayor calidad) este Monte Walsh, a la que seguirían Un reflejo de miedo (1973) y La leyenda del Llanero Solitario (1981), junto con algunos capítulos de series de TV.

Uno de los puntos fuertes de Monte Walsh es el carisma de sus protagonistas, dos actores normalmente asociados a papeles de reparto como son Lee Marvin y Jack Palance, pero que en esta ocasión son protagonistas de la función acompañados por Jeanne Moreau, en una de las pocas apariciones de la actriz francesa en el cine de Hollywood. Marvin da vida al Monte Walsh del título, un cowboy venido a menos que va adquriendo conciencia de que sus mejores tiempos han pasado, aunque lo asume con naturalidad y hasta con ironía. La película es, por tanto, un acercamiento a un género que languidece, personificado en unos protagonistas que intentan mantener su último resquicio de dignidad ante un mundo en permanente evolución.

De la película hablamos en el quinto programa de Cine L'Atalante, de la mano de Amelia Falcó. Y la película se proyecta, como hemos comentado, el miércoles 28 de noviembre en el salón de grados (1º piso) de la facultad de Filología, Traducción y Comunicación de Valencia, a las 18 horas y como siempre con entrada libre, gratuita y con presentación y coloquio a cargo de Daniel Molina. Una buena manera de cerrar un ciclo donde se han proyectado auténticas joyas desconocidas de los últimos estertores de un género tan clásico como el western. Y pensando ya en el ciclo del mes de diciembre, del que os daremos buena cuenta proximamente.