Desde Cine L'Atalante y junto con todos los miembros del Cinefórum L'Atalante queremos expresar públicamente nuestro apoyo a Santi Barrachina y Mar Baztán, responsables de la Videoteca del Centro de Documentación del IVAC desde su creación en 2008, que han sido relegados de sus puestos de trabajo como consecuencia de los duros recortes y las transformaciones estructurales que ha sufrido recientemente la institución. Ambos han desempeñado desde su posición una labor encomiable en la difusión del audiovisual, caracterizada por el esfuerzo, la iniciativa y el entusiasmo. Nuestra asociación siempre estará en deuda por la estrecha colaboración prestada por ambos en nuestras actividades, facilitándonos la tarea con su profesionalidad y dedicación.

Desde aquí manifestamos nuestro profundo malestar por esta decisión, que demuestra una vez más el desinterés por la cultura del gobierno valenciano, que, amparándose en la coartada de la crisis económica, está desmantelando servicios públicos imprescindibles para una sociedad rica, no en bienes materiales, sino en conocimiento y valores.

En Cine L'Atalante tenemos una sección, llamada Se cumplen, en la que nos gusta detenernos en la carrera cinematográfica de alguien que celebra algún tipo de efeméride en el presente año. Es el caso de la actriz Catherine Deneuve (París, 1943), que el próximo 22 de octubre soplará 70 velitas en su tarta de cumpleaños.

No cabe duda de que la Deneuve es una de las intérpretes más importantes del cine europeo de las últimas décadas, después de trabajar con muchos de los mejores directores del continente, desde François Truffaut a Lars von Trier, pasando por Roman Polanski, Jacques Demy, François Ozon, Manoel de Oliveira o Luis Buñuel. Más de un centenar de películas en las que Catherine ha paseado su particular belleza glacial y su elegancia comparable con la de bien pocas actrices.

En nuestro programa 1x18 hemos querido recordar la carrera de Catherine Deneuve, de la mano de Amelia Falcó y Mabuse. Nos detenemos especialmente en dos películas, una de la Deneuve joven y otra en su época de madurez. La primera de ellas es Belle de jour (Luis Buñuel, 1967), en la que la actriz interpreta a una mujer burguesa con problemas de frigidez, y que intenta dar rienda suelta a sus instintos sexuales dedicándose a la prostitución. Una nueva provocación del director aragonés, que volvería a trabajar con la parisina en Tristana (1970), otro film no exento de referencias sexuales sórdidas e incómodas para esa burguesía a la que Buñuel gustaba tanto sacar los colores.

Muchos años después, Catherine Deneuve protagonizaría 8 mujeres (François Ozon, 2002), película que combinaba la intriga y el suspense con la comedia y el musical, y que además congregó a algunas de las mejores actrices francesas de los últimos tiempos, como Isabelle Huppert, Fanny Ardant o Emmanuelle Béart. Además, claro está, de la propia Catherine Deneuve, que hace las delicias de sus seguidores cantando y bailando casi cuarenta años después de la inolvidable Los paraguas de Cherburgo (1964).

En los últimos años se ha podido comprobar que el cine de animación es uno de los principales baluartes de la industria del cine a la hora de buscar beneficios en la taquilla. En EE.UU. asistimos cada año a la sana competencia entre las dos grandes compañías del sector, Dreamworks y Pixar, por lanzar la mejor película posible, una lucha de la que el espectador sale beneficiado. Pero es que además de estos dos mastodontes aparecen también productos de otras compañías que también compiten por su trozo de pastel.

En el caso español, podemos decir que estamos viviendo una época dorada del cine de animación, que cada vez tiene mayor renombre y repercusión, y está viendo como mejoran sus datos en cuanto a crítica, recepción del público y rentabilidad económica. No hay más que ver el caso de Las aventuras de Tadeo Jones (Enrique Gato, 2012), un film de modestas pretensiones que ha sido un auténtico fenómeno en taquilla el pasado año (y que acaba de recibir tres premios Goya), y del que ya se prepara secuela.

De todo esto y mucho más hablamos en el programa 1x17 con María Lorenzo, profesora en la facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de Valencia y directora de la revista Con A de animación. Precisamente del tercer número de esta revista (de publicación anual) nos habla con detenimiento, un número que destaca por el cuidado de su edición, el prestigio de los firmantes de sus artículos y por versar sobre un tema tan interesante como la situación pasada, presente y futura de la animación en España bajo el epígrafe Animación al rescate.

Y es que resulta muy interesante la existencia de publicaciones como Con A de animación en el mercado editorial español, ya que ofrecen una investigación rigurosa destinada al ámbito académico pero también de sumo interés para todo aquél que esté interesado en este tema. Por cierto, este tercer número estará disponible por primera vez en algunas tiendas especializadas (permaneced atentos a nuestros canales de información porque daremos buena cuenta de ello), y también se puede adquirir como siempre en la tienda de publicaciones de la UPV y de manera online a través de Sendemá Editorial por tan solo 12 euros.

Además, María Lorenzo nos habló de una película como O Apóstolo (Fernando Cortizo, 2012), una cinta rodada de forma artesanal en un innovador stop-motion esteroscópico, y que pasó bastante de puntillas por nuestros cines a finales del año pasado. Sin embargo, es una película que sorprende por su presentación visual y por lo sólido de un guión que se sitúa en la Galicia profunda.

No es necesario volver a incidir en el hecho de que el cine (y Hollywood en especial medida) se ha nutrido desde siempre de la readaptación, recuperación y reinterpretación de viejas ideas, ya sean propias o ajenas. Y también es por todos sabido que en las dos últimas décadas el cine oriental -especialmente en su versión thriller o terror- ha sido un caladero inagotable para la industria norteamericana, que de paso ha conseguido revalorizar el producto original, que de otra manera tendría una difusión más complicada.

Casos como las versiones americanas de Godzilla (1998), The Ring (2002) o El grito (2004) son paradigmas de esa transfusión de ideas y conceptos desde el mercado asiático hasta el americano, con resultados bastante dispares. Pero en nuestro programa 1x17 (de la mano, como siempre, de Guillermo Rodríguez), hemos querido detenernos en un remake que nada más y nada menos se llevó el Oscar a Mejor Película y Mejor Director en 2007. Estamos hablando, por supuesto, de Infiltrados (The Departed, Martin Scorsese, 2006).

Lo que pasó en aquella ceremonia de los Oscars fue algo que pocos entendieron. Si bien es cierto que la Academia tenía una deuda histórica con el director de Taxi Driver (1976), Toro Salvaje (1980) o Uno de los nuestros (1991), siete veces nominado y nunca galardonado, también es verdad que darle el Oscar por una película en la que modifica bastante poco el material de partida no parece del todo justo. Y es que Infiltrados no se aleja en casi nada de su predecesora, la cinta de Hong Kong Juego sucio (Mou gaan dou, 2002), más conocida en nuestros lares como Infernal Affairs. 

Esta película se convirtió en todo un fenómeno en el lejano Oriente, dando lugar además a dos secuelas. Dirigida por Andy Lau y Alan Mak, Infernal Affairs es un thriller de acción basado en la tensión que se produce al saber de la existencia de dos infiltrados, un policía en la banda de un poderoso mafioso, y de uno de los miembros de esta banda en la policía. Es decir, una trama idéntica al film de Scorsese, en el que Leonardo DiCaprio es el policía infiltrado en la banda dirigida por Jack Nicholson y Matt Damon es el topo de la mafia en el cuerpo de policía.

Como decimos siempre en esta sección, es necesario ver las dos películas para poder comparar. Pero nunca es tarde para reivindicar el estimulante cine que llega del mercado asiático, muchas veces en condiciones pésimas de distribución pero donde la existencia de remakes como en este caso ha permitido incrementar (por suerte) su visibilidad.

Empezamos recordando a nuestros lectores y oyentes del programa de radio que el próximo martes 19 de marzo no habrá Cine L'Atalante por ser festivo en la ciudad de Valencia. Por este motivo, en nuestro programa 1x17 adelantamos, con Xelo Agustín, la programación que el Aula de Cinema UV tiene preparada para las próximas semanas.

Como comentábamos la semana pasada, en marzo celebramos el mes de la mujer, por lo que continúa nuestro ciclo titulado Mujeres y política en la facultad de Filología. El miércoles 13 de marzo se podrá ver Rosa Luxemburgo (Margherite von Trotta, 1986), que nos acerca a la historia de uno de los personajes clave en la política de principios del siglo XX. Activista comprometida con los ideales marxistas y con la lucha por los derechos sociales, esta alemana de origen polaco fue una de las fundadoras del movimiento espartaquista, que posteriormente derivaría en el Partido Comunista Alemán. Rosa Luxemburgo fue detenida, encarcelada y ejecutada en enero de 1919 junto a su compañero Karl Liebknecht después de la fallida Revolución de Noviembre, pero la figura de ambos sigue siendo venerada hoy en día como símbolo de la lucha contra el imperialismo. La película está protagonizada por Barbara Sukowa (premiada en Cannes como mejor intérprete) y filmada por Margherite von Trotta, una de las realizadoras más comprometidas con el feminismo y perteneciente además al movimiento del Nuevo Cine Alemán de los años 70, en el que destacaron figuras como Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Wim Wenders o Volker Schlöndorff, marido además de von Trotta.

Y para la semana siguiente, el miércoles 20 de marzo, la película elegida es Norma Rae (Martin Ritt, 1979). Este film está basado en la historia real de Crystal Lee Sutton, una humilde trabajadora de una fábrica textil de Carolina del Norte que inicia el camino hacia la unión sindical de los operarios para combatir unas condiciones laborales inhumanas. La película le valió además el Oscar como Mejor Actriz Principal a Sally Field, nominada este año como secundaria por Lincoln.

Por su parte, en el Palau de Cerveró continúa el ciclo Aborto: un derecho cuestionado. El jueves 14 tendremos una sección doble en la que se proyectarán El grito silencioso (1984) y Decálogo nº2: no tomarás el nombre de Dios en vano (1989). La primera es un documental en el que el doctor Bernard Nathanson (uno de los más destacados abortistas en la década de los 60 y 70 pero que luego se erigió en figura clave de la lucha contra esta práctica) narra el proceso de interrupción de un embarazo de 14 semanas, que se muestra en directo a través de una ecografía, con la tesis de que el feto sufre y padece dolores e incluso hasta parece gritar. Un film muy polémico que se convirtió en bandera del movimiento provida y de los sectores más conservadores pero que la comunidad médica en general considera sensacionalista, alarmista, manipulador e inexacto. 

En cuanto a la otra película, forma parte del Decálogo que el director polaco Krzysztof Kieslowski filmó para la televisión de su país a finales de los 80, diez films inspirados en los pecados capitales. En este caso, narra la historia de una mujer cuyo marido tiene una enfermedad terminal y que está embarazada de otro hombre, produciendo el debate sobre si debe tener o no ese hijo.

La próxima semana, concretamente el jueves 21 de marzo, se proyectará Citizen Ruth (1996), el debut como director de Alexander Payne, director de Entre copas (2004) o la reciente y exitosa Los descendientes (2011). Citizen Ruth está protagonizada por una mujer (Laura Dern) alcohólica, drogadicta y que ha perdido la custodia de sus hijos. Cuando queda nuevamente embarazada, se ve inmersa en una confrontación entre partidarios y detractores del aborto que intentan unirla a su causa.

Como siempre, las proyecciones son a las 18 horas en versión original subtitulada, con entrada libre y gratuita y con presentación y coloquio a cargo de nuestros compañeros del Aula de Cinema UV.

Hablar de una película como Dentro del laberinto (Labyrinth, 1986) es recordar un pequeño trocito de nuestra infancia. Esa infancia forjada en una época en la que el cine se encargaba de mezclar realidad y fantasía dando lugar a títulos inolvidables como Legend (1985), Willow (1988), La princesa prometida (1987) o La historia interminable (1984), por sólo citar unas pocas que sin duda están en el imaginario infantil de la mayoría de nuestros lectores.

Elisa Hernández nos habló de Dentro del laberinto en nuestro programa 1x16 con la peregrina excusa del lanzamiento del nuevo disco de David Bowie, después de muchos años de silencio. Aunque no hace falta ninguna excusa especial para charlar largo y tendido sobre esta pequeña joya del cine de los ochenta, un auténtico muestrario de virtuosismo en la dirección artística y el vestuario y quizá la obra cumbre de Jim Henson en el mundo del cine, aunque el resultado final se viera profundamente modificado por la intervención de George Lucas y el monty python Terry Jones, que produjo cierto distanciamiento por parte del creador de los Teleñecos, Barrio Sésamo o Fraggle Rock.

La película está narrada como el tradicional cuento de hadas, en el que una joven (Jennifer Connelly en su primer papel principal) se ve obligada a adentrarse en un mundo de fantasía para salvar la vida de su hermanito, secuestrado por el malvado rey de los goblins (el propio Bowie reviviendo su época más glam) por culpa del egoísmo de la protagonista. Pero como suele ser habitual, este envoltorio aparentemente inocuo encierra muchos significados ocultos, asociados no solo al autodescubrimiento sino incluso al despertar sexual.

De Dentro del laberinto se recuerdan numerosas escenas, desde el acertijo de las puertas a la escena final en unas escaleras imposibles que recuerdan los grabados de M.C. Escher. Pero a día de hoy sigue sorprendiendo la credibilidad general de una película grabada de forma artesanal y con marionetas, pero que sigue resultando fascinante aún en estos tiempos de animación digital en tres dimensiones. En definitiva, un film con una enorme carga nostálgica que nos retrotrae a un tiempo que ya nunca volverá y en el que (probablemente) éramos más felices.

Con un paro que supera el 25% de la población y una cantidad total de aproximadamente seis millones de personas, el tema del mercado laboral es la principal preocupación de la ciudadanía de nuestro país. En nuestro programa 1x16, Vittoria Zanetti nos habla de dos cortometrajes que tienen que ver con este asunto, aunque desde un punto de vista bastante diferente entre sí.

Pecera (Carlos Bouvier, 2011) se presenta con el subtítulo de "El corto más reivindicativo del año", y avalado por varios premios a nivel nacional. El film refleja una situación desgraciadamente cotidiana como es la de la labor de las oficinas de recursos humanos de las empresas, encargadas de la poco agradable tarea de despedir a los trabajadores, con motivos más o menos justificados. Son una pieza más del despiadado engranaje en el que el trabajador suele ser el eslabón más débil de la cadena, y el primero en pagar el pato en caso de dificultades.

El segundo cortometraje, titulado Ataque de pánico! (Fede Álvarez, 2009) no tiene nada que ver con el anterior, ya que este es una historia de ciencia-ficción en la que unos robots gigantes destruyen la ciudad de Montevideo. Lo más llamativo del corto es su calidad visual, a pesar de contar con unos medios relativamente modestos. Así pues, lo que une este film con el tema laboral es el hecho curioso de que horas después de colgar su corto en YouTube, el director Fede Álvarez ya tenía catorce propuestas para trabajar en EE.UU. Y no era un farol, puesto que pocos años después, Álvarez ya tiene su primera película en Hollywood, nada menos que el remake de Posesión infernal (Sam Raimi, 1981). Una buena demostración de que a veces el talento sí puede servir para encontrar un buen trabajo.